nuevas guitarras del Summer NAMM 2016

Durante el Summer NAMM 2016 muchos nuevos modelos de guitarra fueron presentados, amén de nuevas versiones de guitarras ya existentes y modificaciones diversas. Vamos a hacer un repaso de algunas de las novedades.

Fender

Fender ha rediseñado la gama Deluxe para hacerla más lógica respecto a los nuevos productos y gamas que la marca ha ido lanzando. Los modelos presentados son la Deluxe Strat, la Deluxe Strat HSS, la Deluxe Roadhousse Strat, la Deluxe Nashville Tele, y la Deluxe Tele Thinline. Todas ellas presentan cuerpo de aliso (excepto la Deluxe Strat, que es de fresno), trémolo de dos puntos y clavijeros de bloqueo. Cada una presenta una configuración específica de pastillas, cuya descripción exacta se encuentra ya en la web de Fender.

• 
• 
• 
• 
• 

Fender Deluxe Nashville Tele

Jackson

Ayer os presentábamos unos cuantos modelos nuevos, pero la cosa no quedó ahí y Jackson presentó estas guitarras signature que que os detallamos a continuación. La primera de ellas es una edición limitada de la guitarra Signature de Phil Collen de Def Leppard con cuerpo de caoba, tapa de arce y pastillas DiMarzio y cuyo nombre exacto es USA Signature Limited Edition Phil Collen PC1 DX.

En segundo lugar, tenemos una guitarra muy radical, la USA Signature Special Edition Dave Davidson Warrior 7, una 7 cuerdas basada en la forma Warrior, la cual lleva muchos años dentro de catálogo. Presenta pastillas DiMarzio Dave Davidson Signature y puente Floyd Rose Original.

Sin embargo, el plato fuerte fue la guitarra Signature de Scott Ian, guitarrista de Anthrax. Se trata de la  X Series Signature Scott Ian King V KVXT, una Flying V de puente fijo, completamente hecha en caoba con diapasón de palo rosa y acabados clásicos que lleva dos humbuckers Seymour Duncan JB y ‘59.

Dos modelos Signature más atrajeron la atención del público, se trata del nuevo modelo Dominion, Signature de Mark Morton de Lamb Of God, y el modelo Juggernaut, de Misha Mansoor de Periphery. Ambos modelos son, en realidad, ya existentes, pero se han presentado en nuevas versiones: el primero es una edición limitada que celebra sus 10 años desde la primera unidad, mientras que en el caso del Juggernaut lo que se ha hecho es añadir un nuevo color disponible, el Matte Lambo Orange.

Charvel

Charvel presentó una nueva serie destinada a ser su orgullo y representante de ahora en adelante: es la serie USA Select Series, una parte de su catálogo destinada a ser su estándar de alta gama. Está compuesta por cuatro modelos, la San Dimas Style 1 HSS FR, San Dimas Style 1 HSS HT, So-Cal Style 1 HSS FR y la San Dimas Style 2 HH FR. Dos guitarras de puente flotante y dos de puente fijo, con diferentes acabados disponibles y combinaciones de maderas.

Gretsch

La presentación más sonada de este NAMM de Gretsch ha sido el bajo signature de Tom Petersson de Cheap Trick. Se trata nada más y nada menos que de un bajo modelo White Falcon de 12 cuerdas, que ha dejado sorprendido a más de uno.

Reverend

Reverend ha estrenado multitud de nuevos modelos, como el nuevo modelo signature de la guitarrista Jenn Wasner con un acabado más que vistoso en blanco y negro.

En segundo lugar, han lanzado la nueva serie de Flying V’s, la gama llamada Volcano, también disponible en diversos acabados.

• 
• 
• 

Reverend Volcano

Por último, encontramos nuevas versiones de modelos ya existentes, consistentes en acabados novedosos y modificaciones para los modelos Bayonet, Charger HB, Jetstream 390, Descent RA, y Reeves Gabrels Signature Spacehawk.

• 
• 
• 
• 
• 
• 
• 

Reeves Gabrels Signature Spacehawk

Haz que tus shows brillen con estos sencillos trucos de ecualización

Has escuchado una canción donde no puedes oír al cantante porque la música está muy alta? O al revés, cuando la voz del cantante esta tan alta que no puedes oír la guitarra? Pues aquella banda debería haber leído este artículo con consejos para mejorar la técnica de usar el ecualizador.


El ecualizador (EQ) es una herramienta muy potente que está por TODAS PARTES. En serio. Abre iTunes y mira el menú “Ventana”. Ahí está. Como músico, te encontrarás con alguna forma de EQ virutualmente en cada mezclador y amplificador. Y esto es fantástico, porque si dedicas un poco de tiempo a desarrollar tus habilidades de ecualización, pronto serás capaz de conseguir un control mucho mayor sobre tu sonido, no importa en qué tipo de lugar estés tocando. Este artículo es para grupos nuevos que buscan tomar el control de su sonidos y llevarlo a un nivel superior. ¿Quieres asomarte a los principios básicos? Estás en el lugar adecuado. Bienvenido.
Para empezar: ¿Qué es un ecualizador?
Hay muchas clases diferentes de EQs —gráfico, paramétrico, semiparamétrico, etc.– y aunque cada uno se usa de una forma ligeramente diferente, todos cumplen una misión similar: Un EQ sube o baja un grupo de frecuencias. Por ejemplo, piensa en el botón “Bass” (o “Graves”) de un amplificador: es una forma sencilla de EQ que controla las frecuencias bajas. Familiarizarte con la noción de frecuencias es un primer paso en adquirir el control de tu sonido en directo.

El EQ gráfico de iTunes controla 10 bandas de frecuencia.
Fijémonos en el ecualizador de iTunes (si tienes iTunes, clica “Ventana” y “Ecualizador”). Verás un EQ de 10 bandas como el de la imagen. Los números al pie de cada control son las frecuencias —p.ej, el control etiquetado “32” actúa sobre los sonidos muy graves, alrededor de 32Hz. Nuestros oídos generalmente pueden oír entre 20Hz y 20000Hz (20kHz), ¡así que este EQ cubre todo el espectro!
Los diferentes rangos de frecuencias poseen diferentes calidades, caracteres, comportamientos, ¡y conocerlos es la base de tu futuro dominio de la ecualización! Por ejemplo, demasiado volumen en el entorno de 1kHz resultará en un sonido nasal; y demasiado poco en los 8kHz sonará apagado. Sabiendo esto, podemos subir y bajar los controladores adecuados para resolver el problema. En el vídeo puedes escuchar algunos ejemplos de esto.
Ecualizar una banda: ¡es un deporte de equipo!
Antes de entrar en algunos detalles, hay dos puntos FUNDAMENTALES, muchas veces obviados por los principiantes, que nunca me canso de destacar:
1. Aunque todos los instrumentos suenen geniales por separado, puede que no suenen bien juntos. Ecualizar un grupo de músicos va de asegurarse de que suenan excelentes juntos. Si coges una banda con un gran sonido y pones a uno de los miembros a tocar solo, que no te sorprenda si no suena perfecto: un bajo puede sonar opaco, una guitarra o una voz pueden sonar delgadas. ¡Eso es OK! Todos estos instrumentos dejan espacio en su sonido para encajar unos con otros y crear un sonido conjunto impresionante. En un show, ustedes tocan juntos —así es también como deben ecualizar. Ecualizar es un deporte de equipo.
2. Para que un instrumento suene lo mejor posible, ten en cuenta la configuración de los demás. Por ejemplo, si el bajo tiene sus agudos potenciados, la guitarra puede no conseguir hacerse oír a través de ellos. Subir esa guitarra, en lugar de retocar los settings del bajo, puede causar aún mayores problemas.
¿Qué hacer? Una regla básica para los que se inician en la ecualización es dejar que cada instrumento tenga su zona. En el clásico cuarteto (guitarra, bajo, voz, batería), asigna al bajo los graves hasta 200Hz (baja estas frecuencias en guitarra y voz), dale los medios a la guitarra (aproximadamente hasta 1kHz), y deja que la voz destaque asignándole los medios—altos (alrededor de 4kHz). Una manera fácil de recortar los medios—altos de una guitarra eléctrica o bajo es con el botón de tono de los mismos instrumentos. Puede ser un cambio mínimo—incluso 1/8 de vuelta del botón puede hacer maravillas.
Las voces: hazlas brillar
Para que las voces suenen bien en un equipo de sonido básico, puedes hacer algunas csas sencillas (nos centramos aquí en las voces, pero muchos de estos trucos funcionan con todos los instrumentos).
Baja los graves. Las mujeres generalmente no cantan mucho más abajo de los 200Hz, 100Hz en el caso de los hombres. Así, cualquier sonido por debajo de esas frecuencias que se cuele en el micrófono probablemente no nos interese. Quizá sea el rumor del tráfico cercano, o algún zumbido eléctrico de baja frecuencia. ¡Deshagámonos de ellos!
El siguiente paso depende de tu equipo. Seguramente tendrás al menos un EQ semi—paramétrico para los medios de la pista vocal. (Un momento, ¿qué es un EQ semi—paramétrico? Es, sencillamente, dos botones: uno para la frecuencia y otro para el nivel). Ahora escucha las voces (con toda la banda tocando), y elige el problema que te resulte más obvio: sonido apagado, nasal, falta de calor, o falta de presencia. ¿Ya tienes uno? Entonces sigue la instrucción, de las que siguen, que corresponda. Si tienes cuatro de esos EQs semi—paramétricos, puedes seguir con las otras tres instrucciones cuando estés listo. ¡Si no es así, tendrás que escoger cuidadosamente!
Un ecualizador semi—paramétrico controla el volumen del sonido en una frecuencia específica.
Sube el rango de presencia. A veces pones un disco o vas a un concierto, y puedes oirlo todo claramente: voz solista, coros, guitarra, bajo, batería—y suena perfecto. Y además, descubres que un instrumento en particular destaca —normalmente la voz solista. Puedes situar un instrumento en primer plano fácilmente con el control de presencia (en torno a 4 kHz). Por ejemplo, si quieres que las voces destaquen, sube esta frecuencia en las voces y bájala en todo lo demás. Cambios de apenas 3dB (esto es muy poco) pueden dar grandes resultados.
Reduce el sonido hueco/confuso o incrementa la calidez  La zona de calidez/sonido hueco está en torno a los 250Hz. Si tus voces suenan huecas o poco claras y las palabras no se entienden, necesitarás reducir esa frecuencia. Por otra parte, si las voces suenan débiles y precisan algo de calidez, deberás subirla.
Reduce el sonido nasal. La región nasal está por 1kHz. Si te parece que las voces suenan demasiado nasales, recortar esta frecuencia un poco puede mejorar perceptiblemente.
Encontrando la frecuencia. Ahora que sabes qué rango de frecuencias ajustar, ¡vamos a mejorar el sonido de esas voces! Vamos a suponer que tienes un EQ semi—paramétrico para los medios (citado más arriba). Para empezar, mueve el botón de nivel casi a tope hacia arriba o abajo, dependiendo de si quieres recortar (p.ej. para que el sonido sea menos confuso) o subir (p.ej. para subir presencia). A continuación, dile al cantante que cante con normalidad (que no se limite a decir: “check, 1, 2…”), con o sin banda, mientras mueves lentamente el botón hacia el rango de frecuencias que quieres cambiar. Por ejemplo, muévete de 2kHz a 8kHz para actuar sobre la presencia. En algún punto el efecto será evidente—esta es la frecuencia mágica, y es diferente en cada caso. Retoca el efecto hacia un resultado algo más sutil, y ya lo tienes.
Recuerda: cuando ecualizas la voz, tu objetivo es que suene bien con la banda, no por sí sola. ¡Asegúrate siempre de hacer parte de la ecualización con todo el grupo tocando!
Advertencia: Ecualizar es magnífico si…
Mejorar tus conocimientos de ecualización puede llevar a una mejora muy grande en la forma en que tus canciones llegan al público. Pero, como cualquier otro efecto, no es una solución para todo: las canciones han de ser buenas, y la interpretación ha de ser precisa e interesante. La música sale del corazón, se abre camino a través de tus instrumentos y equipo de sonido y conecta con tu público. Conocer los efectos, como la ecualización, ¡te garantiza que todo llega de una pieza! Y para ustedes, vocalistas, controlen la distancia con el micro! En caso de dudas y si utilizan el típico micro tipo SM58 que encontrarán en la mayoría de clubes, ¡manténganse muy cerca!
Entrena esos oídos: ¡bienvenido a hearEQ!
Desarrollar unas buenas capacidades de ecualización incluye tanto conocimientos como experiencia —y esa experiencia práctica es al principio difícil de adquirir. Aquí es donde entra hearEQ. Si eres usuario de iPhone o iPad, prueba la app hearEQ–una app de 99cents que te enseña y te ayuda a ecualizar utilizando ejercicios personalizados —todo sobre tus propias pistas. Entender cómo suenan los diferentes rangos de frecuencias —para poder decir cosas como “hey, parece que al bajo se le podrían recortar un poco los agudos”, o “las voces podrían ser más cálidas, subamos algo en torno a 300Hz”—es una habilidad importante y hearEQ te ayuda a adquirirla. Estamos super orgullosos de esta app, y confiamos en que te parecerá tan útlil como a nosotros.

Wylde Audio, la marca de Zakk Wylde, ya disponible

Ya el año pasado conocimos las intenciones de Zakk Wylde: lanzar al mercado una nueva marca de guitarras y amplificadores. Fueron diversas las noticias que fueron llegando al respecto de Wylde Audio, y los prototipos de los primeros modelos fueron presentados en el NAMM. Finalmente, Wylde Audio ya está disponible y en su página web es posible ver los modelos disponibles con sus correspondientes acabados y precios. Tal como se anunció, la distribución será llevada a cabo por Schecter en casi 70 países.

La web muestra tres modelos principales de guitarra, todos ellos con reminiscencias de las guitarras que Zakk Wylde ha lucido en el pasado y con los rasgos característicos de la estética de Zakk. En cuanto a los amplificadores, todavía no están disponibles a pesar de las muchas fotos y vídeos que se han podido ver de los prototipos. Eso sí, cuando Zakk dijo que los precios estarían "por debajo de los 1000 dólares" no mentía: todos los modelos tienen un precio de 999 dólares, a excepción de las versiones con puente flotante, que son algo más elevados.
El modelo Warhammer está inspirado en el modelo inspirado en el modelo ZV de Gibson, un clásico dentro de la artillería de Zakk. Lógicamente, ha habido modificaciones en la pala y forma final, pero mantiene la elección de pastillas EMG. En cuanto a las maderas, la combinación elegida es un cuerpo de caoba con tapa y mástil encolado de 3 piezas de arce. La Warhammer está disponible en tres acabados y con puente fijo o Floyd Rose.

La guitarra modelo Viking es un modelo en V, que comparte la mayor parte de las características con la Warhammer, tanto en maderas como en técnica de construcción. Nuevamente, tenemos tres acabados posibles y puente fijo o flotante.

Por último, encontramos el modelo Odin, el más convencional por así decirlo. Más cercano al modelo Les Paul, también presenta aproximadamente las mismas especificaciones que sus hermanas, con la excepción de que no está disponible con puente flotante.

Más información | Wylde Audio

Op-2 Comp, un pedal compresor a válvulas de Lightning Boy Audio

Lightning Boy Audio ha anunciado a través de los medios la existencia de su nuevo compresor, el Op-2 Comp. No es su primera incursión en este terreno, ya que es el sucesor del Opti-Mu Prime, otro pedal destinado a la misma función (y con nombre del líder de los Transformers). No obstante, el fabricante asegura que el nuevo Op-2 es superior en todos los aspectos.

Según Lightning Boy Audio, este nuevo modelo tiene un 15% más de ganancia y presenta un 60% menos de ruido, un mayor rango de compresión y menor distorsión total armónica. En definitiva, aseguran que el tono es más limpio y el nivel de efecto alcanzable es mayor. Según los datos facilitados en su página web, dos válvulas 12AU7 han sido incluidas con la finalidad de añadir un carácter más calido, y son componentes New Old Stock seleccionados específicamente.

Respecto a los controles Lightning Boy Audio han sido muy escuetos: simplemente presenta un volumen general, un control de compresión y un selector de Soft/Hard Knee (control que afecta la suavidad de la compresión en el umbral de actuación). El pedal es True Bypass y ha sido hecho a mano. Funciona a 9V DC, pero es importante destacar que exige una intensidad de al menos 800 mA, con lo que es importante comprobar que nuestra fuente de alimentación tiene posibilidad de administrársela.

Más información | Lightning Boy Audio

Line 6 presenta Mobile POD 2.0, la actualización de su app de emulación de amplis

La compañía Line 6 ha decidido actualizar a la versión 2.0 su aplicación para dispositivos iOS Mobile POD, dedicada a la emulación de amplificadores y efectos. Con 65 amplificadores y efectos clásicos incluidos, esta aplicación ha sufrido diversas modificaciones para llegar a un nivel mayor de comodidad y facilidad de uso.

En primer lugar, la interfaz ha cambiado para aproximarse a la que podemos encontrar en los nuevos equipos de Line 6 como la serie Firehawk y Helix, en que los valores de los parámetros de los diferentes equipos emulados están representados por barras que podemos desplazar con el dedo. Del mismo modo, la posibilidad de arrastrar y soltar las diferentes piezas de equipo y el código de colores asociado a su tipo de función facilitan la comprensión de nuestra cadena de efecto.

Gracias a todo ello, es posible conectar hasta ocho efectos en cualquier orden, y organizar los sonidos que memorizamos mediante el uso del gestor de patches, que también ha sufrido una renovación. Por último, se han modificado algunos aspectos relativos al reproductor de música, que ahora incorpora un looper dirigido a la práctica de fragmentos musicales de especial dificultad.

Más información | Line 6

Puertas de ruido: qué son y cómo se utilizan

Las puertas de ruido empezaron a aparecer en los estudios de grabación en los años 70. Allison Research, que después se convirtió en Valley People, fueron los primeros en producir una puerta de ruido para uso comercial en el año 1969, llamada Kepex. Paul Buff, el fundador de Allison Research, la construyó para uso personal en su estudio de grabación –Pal Recording Studios- con el objetivo de combatir la acumulación de ruido causada por el uso de múltiples pistas de cinta a la hora de realizar overdubs.

¿Qué es una puerta de ruido?

Como su nombre implica, una de sus principales funciones es simplemente eso: cerrar o reducir substancialmente el nivel de ruido en un determinado umbral. Por ejemplo: el hiss en un amplificador de guitarra, filtraciones del charles en el canal de la caja (tarola) o la respiración de un cantante en el micrófono.
Pero debemos considerar también que las puertas de ruido, tanto sus versiones en hardware como en software, tienen más aplicaciones que simplemente deshacerse de ruidos no deseados, como alterar el envelope y el tiempo de un sonido para producir ciertos efectos.
La mayoría de las puertas de ruido también son capaces de funcionar como expansores que solo reducen el nivel de los sonidos por debajo de un cierto umbral en lugar de cancelarlos completamente. En realidad, los expansores aumentan el rango dinámico y por lo tanto pueden ser considerados como lo opuesto a un compresor.
Entender el funcionamiento de una puerta de ruido es muy importante debido a que sus controles y parámetros son hasta cierto punto interactivos y se inter-relacionan.

Principales controles de una puerta de ruido

Umbral (Threshold).- Esto establece el nivel en la entrada bajo la cual la puerta se cerrará. Solo la información por encima de este nivel podrá pasar. Como regla general y dependiendo del ataque, reducir el umbral permitirá que el paso de los elementos más silenciosos del sonido sea permitido a través de la puerta.
Ratio.- También conocido como rango. Si ajustamos muy poco el ratio resultará en una pequeña cantidad de expansión, mientras que un ajuste alto provocará que los sonidos por debajo del umbral desaparezcan y queden fuera por completo. Por lo general, un ratio de 10 o más es conocido como "cerrar la puerta", y por debajo como expansión.
Ataque.- El ataque determina la velocidad en la cual la puerta actúa una vez que la señal original ha pasado el umbral.

• Ataque rápido.- Resulta en un reconocimiento inmediato de la señal entrante si se encuentra por encima del umbral y por lo tanto dejándola pasar.
• Ataque lento.- Causa que el sonido se incorpore más lentamente.

Decaimiento (Decay).- Este parámetro regula que tan rápido decae este sonido hasta cero, o hasta el nivel de ampliación elegido, después que la señal entrante se encuentre por debajo del umbral.

• Decadencia rápida.- Significa que la señal decaerá inmediatamente al extremo inferior del rango seleccionado.
• Decadencia lenta.- Significa que el nivel de la señal decaerá lentamente al nivel inferior.

Hold.- Controla el tiempo que la puerta de ruido permanece abierta antes de cerrarse a la velocidad indicada por la decadencia, una vez que el sonido haya entrado por debajo del umbral. Este parámetro puede ser útil si un sonido fluctúa mucho en nivel, ya que evitará que la puerta de ruido se cierre y abra continuamente (en ambos casos sonará horrible y te volverá loco). Generalmente se debe configurar el hold bastante corto.
El Hold es también el parámetro clave en lo que llamamos “reverb con puerta”. En este caso, el hold gobierna el tiempo que la puerta va a estar abierta, permitiendo que la reverberación siga sonando antes de que la puerta se cierre y la elimine.

Utilizando una puerta de ruido

Si van a utilizar una puerta de ruido para remover algunas características o aspectos de un sonido, lo recomendable es cargar la puerta de ruido como una inserción en la pista de audio individual, incluso si uno está completamente seguro de que se está obteniendo el resultado deseado, ya que si uno graba únicamente la salida de la puerta de ruido –en otras palabras, la señal ya procesada– este proceso no se puede revertir.

Otra opción es grabar las dos señales, tanto la limpia como la que tiene la puerta de ruido ya aplicada, o utilizar la puerta de ruido solo para monitorizar en lugar de como un efecto de grabación.
Obviamente, existen otros métodos para deshacerse de ruido o señales no deseadas como usar un deesser o simplemente hacer un zoom en la pista de audio y recortar la parte del audio que genera problemas. El saber utilizar una puerta de ruido en algunos casos puede ser más rápido y personalizable.
Comúnmente las puertas de ruido son utilizadas para ayudar a aislar los sonidos individuales dentro de un kit de batería, por ejemplo para reducir la cantidad de Hi-Hat (charles) o platillos que percibe el micrófono de la caja.
Aunque esta técnica ya no es tan comúnmente utilizada como lo solía ser en los estudios de grabación, en situaciones en directo sigue siendo tan popular como siempre.

Para grabar también hay que ensayar

Todos los que hemos estado en un grupo de música hemos soñado con hacer giras y grabar discos como los profesionales del sector. Lo que muchas veces no tenemos en cuenta es que para llegar ahí hay que seguir una serie de pasos intermedios. Para muchos estos pasos son desconocidos y otros los conocen pero quieren tomar atajos que les lleven directamente a la fama, lo que considero una imprudencia de la que pocos salen sin cicatrices.

Subida por Guitarrilla

Sección de fotos de guitarristas.info

A nadie se le escapa que grabar un disco no es lo mismo que tocar en un concierto; es verdad, pero a pesar de las diferencias de contexto, en el fondo ambos requieren mucha preparación. Todos tenemos claro que un grupo dedica muchas horas de ensayo antes de salir a un escenario. Sin embargo, es menos extendido entre los músicos que grabar también requiere preparación. Quizás es por esa idea preconcebida de que podemos grabar tantas veces como queramos… pero la realidad es diferente.
Si nunca has grabado, independientemente del instrumento que toques, cuando te escuches te costará reconocerte —igual que cuando oyes tu voz registrada por primera vez: te va a sonar raro—. No puedes sufrir este shock emocional en pleno estudio de grabación, debes estar concienciado de antemano. He aquí cuando nos topamos por primera vez con la necesidad de grabar una maqueta antes de aventurarnos a grabar (y pagar) en un estudio profesional.

Subida por Darki

Sección de fotos de guitarristas.info

Grabar una maqueta es una experiencia que nos aportará una serie de aptitudes en las que no hacemos hincapié cuando nos preparamos para un concierto. En un concierto prima la improvisación, saber escapar de un error con elegancia y discreción. En una grabación impera la perfección. Dicho de otro modo: en un concierto un error se oye una sola vez, pero en una grabación lo vas a oír eternamente. Por eso será normal querer grabar exactamente de una manera concreta, con la afinación correcta, los acentos en las notas apropiadas, y un sinfín de detalles más o menos largo dependiendo del grado de meticulosidad de cada uno.

Subida por Todo Records

Sección de fotos de hispasonic.com

Éste es a la vez un proceso disciplinario: grabar requiere a menudo usar metrónomo, algo a lo que algunos músicos no están habituados. Esto nos ayudará a perfeccionar nuestra técnica de una forma algo más amena que practicar ejercicios de claqueta pura y dura. Cuando trabajas sobre tus propias canciones siempre lo vas a hacer con más ímpetu y dedicación, porque lo tomarás como algo que es tuyo.
El tiempo de grabación de una maqueta puede extenderse a lo largo de meses; no tiene que haber nunca ninguna prisa. La maqueta irá evolucionando a medida que la escuchemos y decidamos hacer cambios y más cambios. Cada nueva versión será un reflejo de nuestras mejoras como músicos; las versiones más nuevas serían algo así como un espejo, y las versiones antiguas un acta, un historial de nuestro trabajo. ¡Estamos tan poco acostumbrados a oírnos! De hacerlo más a menudo mejoraríamos mucho más deprisa, pues nos daríamos cuenta antes de nuestros errores.

Subida por jomagher

Sección de fotos de hispasonic.com

En contraposición con lo que comentaba algunos párrafos atrás, la maqueta nunca va a quedar perfecta, y tenemos que ser conscientes de ello y saber decir basta. Si bien el objetivo es la perfección, ésta es algo inalcanzable. Trataremos de acercarnos lo más posible a ella y detenernos en el momento en que el tiempo y el esfuerzo del que se requiera para mejorar la última versión “casi perfecta” supere nuestras capacidades. Esto es algo muy difícil para aquellos que nos autoexigimos constantemente más y más, pero es una cura de humildad muy sana conocer nuestras carencias del momento, para anotarlas en nuestra lista de puntos a mejorar a medio y largo plazo. También nos ayuda a ser realistas, lo cual nos dará mayor seguridad el día que grabemos en un estudio profesional: saber qué podemos hacer es tan importante como conocer aquello que no.
La posibilidad de ver gráficamente la estructura de un tema también impulsa la creatividad. Será habitual emplear secuenciadores como Cubase o Logic en los que veremos las formas de onda de los instrumentos de nuestra banda y será muchas veces en el secuenciador donde decidiremos añadir un efecto delay a una guitarra en un momento dado, o experimentar con segundas voces doblando la principal a intervalos de terceras o sextas, con lo que completamos más una canción que dábamos por finalizada en un principio.

Subida por Antonio Escobar

Sección de fotos de hispasonic.com

Lo bueno es que hoy en día es muy fácil tener acceso a equipo de home studio; necesitaremos poco más que un ordenador, una mesa de mezclas y una interfaz de audio. Quizás lo más difícil sea conseguir algunos micrófonos para voz, guitarras y batería, pero se pueden alquilar o comprar de segunda mano para dicho propósito si nuestro presupuesto es ajustado.
Cuánto trabajo por una simple maqueta, ¿verdad? Volvamos ahora a nuestro estudio profesional de confianza. Tenemos una maqueta grabada con mucho cariño a lo largo de nueve meses –como si de una gestación se tratara–, se la enseñamos a nuestro técnico y en seguida ve la idea de fondo, en el mismo momento ya sabe qué previos utilizar, cómo microfonearnos y cómo encarar la mezcla. Por otra parte, nosotros ya estamos preparadísimos para grabar; apenas necesitaremos una media de tres tomas por pasaje, lo cual aligera el flujo de trabajo.

Subida por Mirin

Sección de fotos de guitarristas.info

¿Significa esto que si no hacemos maqueta no podemos grabar un disco, que nos saldrá todo mal? Pues no, pero más vale prevenir que curar. Pongámonos en el papel del alumno que entra en clase sin haber hecho los deberes: llegamos a nuestro estudio de confianza con las manos en la cabeza y le explicamos en cinco minutos a nuestro técnico la idea —de la que él debe intuir qué micrófono emplear y qué instrumento es el más importante para mezclarlo apropiadamente a posteriori—. El flujo de trabajo no ayuda: nos encallamos en algunos pasajes por no haberlos practicado con un metrónomo previamente, algunas grabaciones no nos convencen, empiezan a aflorar dudas, cambios en el ritmo improvisados en el momento para que todo encaje bien, etc. Algún tema se queda sin grabar, por lo que tenemos que pagar una sesión de grabación adicional por falta de tiempo. Días más tarde nos llega la primera mezcla; no suena en absoluto como queríamos (no por el aspecto técnico, sino porque no supimos expresarlo el día de la grabación), hay fallos irreparables, le pedimos al técnico que trate de disimularlos y se nos ocurren un sinfín de posibilidades y nuevas ideas que ya es tarde para añadirlas, dado que es la primera vez que nos escuchamos.

Plugins multicanal y multimono: diferencias y aplicación

En uno de los vídeos de la serie sobre la imagen estéreo os hablaba de los plugins multichannel y los "multi-mono", sin daros más detalles sobre ellos. Quiero profundizar sobre la diferencia entre ambos tipos de plugins y sobre cuando nos puede interesar más uno u otro.
En el mundo de los compresores hardware, generalmente tenemos que elegir entre un compresor mono y uno estéreo. También tenemos la opción de utilizar dos compresores mono como sustitución de un compresor estéreo, aunque enseguida verás que no es exactamente lo mismo.

El compresor 1176 de Universal Audio (mono) es muy habitual en la mayoría de los estudios.

El compresor de 2500 de API (estéreo) es uno de los más populares como compresor para el canal master.

En el mundo virtual, la mayor parte de los plugins tienen una versión mono y otra estéreo, aunque para nosotros, casi siempre, es exactamente lo mismo visualmente.
Cuando tenemos una pista mono, nuestra única opción es utilizar la versión mono del plugin en la pista en cuestión. Sin embargo, si la pista es estéreo, podemos utilizar el plugin en versión estéreo (multichannel) o podemos utilizar el plugin en su versión mono pero por duplicado (multi-mono) —igual que en el ejemplo que poníamos antes con hardware con los dos compresores mono—. Desgraciadamente, no todos los DAW ofrecen esta posibilidad.

¿Cómo funciona un compresor multichannel en una pista estéreo?

Supongamos que tenemos un auxiliar estéreo al que estamos enviando dos pistas de voz dobladas, cada una de las cuales está paneada a un extremo. Supongamos que queremos controlar los picos que se generan, para lo cual ponemos un compresor en el canal. Este compresor va a estar "escuchando" los dos lados de la señal estéreo que entra al canal y también actuará por igual sobre los dos lados de la señal. Por tanto, si por ejemplo la señal que entra por el lado izquierdo tuviera un pico muy pronunciado que disparara el compresor, éste actuaría en toda la señal, tanto en el lado izquierdo como en el lado derecho (aunque el lado derecho estuviera muy por debajo del threshold). Éste sería un claro ejemplo donde el plugin multichannel podría ser contraproducente para nuestros intereses.
Un plugin multi-mono actuaría como si pusiéramos un compresor en cada pista mono individual. Las ventajas de utilizar un plugin multi-mono en lugar de plugins individuales es la comodidad de poder configurar un solo plugin que va a afectar de diferente manera a dos canales; el plugin multi-mono, al menos en Pro Tools, por defecto está linkeado. De esta manera, si hacemos un cambio en el lado izquierdo del plugin, éste cambio se reproduce exactamente en el canal derecho.

Al trabajar en modo multi-mono puedes elegir el lado del plugin donde trabajas (por defecto el izquierdo). Si el icono que ves en en la imagen en azul aparece en este color, está linkeado (opción por defecto) de manera que cualquier cambio que hagas en este lado del plugin se reflejará automáticamente en el otro lado. También puedes desactivar este modo y cambiar por separado los parámetros del lado izquierdo (L) y derecho (R)

Otra ocasión en la que nos podemos beneficiar de este doble compresor es cuando tenemos un auxiliar donde se suman varias pistas (no solo dos) que tenemos paneadas en estéreo, por ejemplo un auxiliar de coros. Al actuar el compresor por separado en el lado izquierdo y derecho de la señal, tenemos un control más preciso sobre los picos que haya en cada lado sin necesariamente afectar a la señal que está yendo por el lado contrario.
Verás ya por qué decíamos al principio del artículo que no es exactamente lo mismo utilizar un compresor estéreo que dos compresores mono. Si pusiéramos dos compresores mono a una pista estéreo, cada uno de los lados de la señal se comprimiría de manera totalmente independiente. Hemos visto casos donde nos podría venir bien esta situación, pero son probablemente más numerosos los casos donde vamos a querer una compresión más uniforme entre los dos lados de la señal, como por ejemplo con instrumentos que grabemos en estéreo (o instrumentos virtuales que vengan en estéreo).
En este sentido, existen también compresores estéreo que podemos ajustar para que actúen por igual sobre los dos lados sin importar cual de los dos es el que excede el threshold (modo multichannel) pero también pueden actuar de manera independiente sobre cada uno de los lados (modo multi-mono). Uno de los ejemplos más típicos de esta dualidad en el comportamiento sería el compresor estéreo que mencionábamos antes, el API 2500.

Versión de Waves del afamado compresor estéreo API 2500.

En la imagen podéis ver el control denominado "Link", que es exactamente igual que en su versión hardware. Cuando está en la posición IND (Independent) trabaja en modo multi-mono. Los números es el porcentaje en el cual se linkea la respuesta de un canal a lo que haga el otro. En 100% actuaría como hemos visto hasta ahora que funcionaba el modo "Multichannel". La parte interesante precisamente está en el hecho de poder hacer un híbrido entre el modo multi-mono y el modo multichannel.
La mayoría de los plugins podemos utilizarlos en mono y en estéreo y de manera automática se adaptarán al tipo de canal en el que los insertes. Incluso tienes la posibilidad en el mundo virtual de utilizar plugins que tradicionalmente son mono como si fueran estéreo, con las diferencias que ahora ya sabes que eso implica.
Además de la compresión, las utilidades del multi-mono van mucho más allá. Plugins como controladores de ganancia (como el trim en Pro Tools o Gain en Logic) que podamos deslinkear para trabajar por separado la ganancia del canal izquierdo y derecho de una señal. Ecualizaciones diferentes en ambos lados de un canal estéreo (cuidado con la fase), y un sinfín de utilidades más.

Si mi DAW no ofrece la posibilidad de trabajar en multi-mono, ¿cómo puedo trabajar por separado los canales izquierdo y derecho?

La solución para poder trabajar por separado los lados L y R de un canal estéreo es tener los canales en cuestión divididos en dos canales mono. Con una pista de audio generalmente será tan sencillo como dividir (split) la pista en dos pistas mono.
Con un auxiliar puede ser un poco más complejo (no demasiado). Supongamos que tenemos 4 pistas de audio que salen por el auxiliar en cuestión.

4 pistas de audio, paneadas a izquierda y derecha.

Tendrás que crear dos auxiliares mono y a cada uno asignarle un bus. Intenta que los dos buses que le asignes estén juntos (por ejemplo, Bus 1-2, Bus 3-4, etc...). IMPORTANTE: Acuérdate de panear los buses a izquierda y derecha.

2 auxiliares mono, con buses consecutivos

A cada uno de los canales de audio individuales que quieras sacar por esos auxiliares, les asignaremos como salida el bus estéreo elegido (por ejemplo, Bus 1-2). De esta manera, al salir por un bus estéreo, podrás seguir paneando donde quieras cada una de las señales individuales. Si todos los canales que quieres a la izquierda los sacaras por el Bus 1 (mono), automáticamente saldrían 100% por la izquierda y lo mismo pero al revés para el Bus 2 (por la derecha).
Si ponemos el mismo plugin en ambos auxiliares mono, tendremos nuestra versión de plugins "multi-mono". Lo ideal para que este "apaño" se parezca lo más posible a la utilización de un plugin "multi-mono" es que puedas agrupar tus dos auxiliares mono, de manera que al cambiar los parámetros de un plugin en uno de los auxiliares, se cambie automáticamente el plugin en el otro auxiliar. Esto será como la opción de "linkeado" de la que hablábamos anteriormente, que por supuesto habrá ocasiones en las que te interese "deslinkear" para trabajar de manera diferente ambos lados.

Izotope reedita en freeware Vinyl, un efecto vinilo

15 años después de su aparición y tras haberlo descatalogado, Izotope decide reeditar extendido a 64 bits su plugin Vinyl a un precio inmejorable. Gratuito y disponible para Win y OSX, en variedad de formatos plugin.
No hace ni tres meses dábamos noticia de otro producto de este tipo que con el reciente anuncio de Izotope va a tener ahora bien difícil convencer para su compra. Si os quedásteis con las ganas, esta es la ocasión.
Vinyl ofrece numerosos controles para personalizar al grado de 'vinilización' deseado en función de nuestras propias preferencias. Con controles tan nostálgicos como 33/45/78 (si no sabes qué es eso, seguramente tampoco entenderás qué era una K7) y otros mucho más precisos como dust (polvo), wear (desgaste), scratch (los inevitables arañazos), mechanical noise (el ruido del motor y del giro), o warp (deformación), además de la selección de la 'cosecha' del vinilo desde los años 1930 a los 2000, o un botón 'spin down' que realiza el efecto de frenar gradualmente el giro hasta parar el disco.
Más información | Izotope Vinyl

Monta tu propio home-studio

Antes de empezar

    Hay muchas maneras de acercarse al mundo de la creación musical, y dependiendo de esto habrá diferentes necesidades que cubrir. No es lo mismo hacer música pop que remezclar temas o preparar un estudio para DJs. Nosotros nos centraremos ahora en la situación que se da más frecuentemente; supongamos pues que estás en el caso habitual de un aficionado a la música que quiere convertir esta afición en algo un poco más serio, creando sus propios temas musicales desde cero, gastándose la menor cantidad de dinero posible, y sin meterse en demasiadas complicaciones.

    De entrada, damos por hecho que tienes algunos conocimientos de teoría musical, o al menos que sabes tocar de oído algún instrumento. Está claro que sin esto va a ser difícil componer nada, pero tampoco te subestimes: la práctica te ayudará mucho, y de alguna manera hay que empezar. También presuponemos que tienes una mínima destreza en el manejo de ordenadores basados en Windows; no hablamos de programación ni nada parecido, sino de tareas básicas como instalar y ejecutar programas y moverse por el interface de menús y ventanas de Windows. Bueno, si has navegado por Internet -y lo cierto es que has conseguido llegar hasta esta página-, vamos a dar por sentado que ya tenemos todo lo necesario antes de empezar...

    Mínimo gasto, equilibrio entre componentes, mínimas complicaciones, máxima creatividad y posibilidades. Este será nuestro lema a partir de ahora. Una combinación inteligente de informática musical y un pequeño número de accesorios hardware lo hará realidad.

¿Tienes un estudio así? Entonces no te interesa este tutorial...

Qué hace falta

    El mundo de la creación musical se ha abierto a todos los públicos y a todos los bolsillos en los últimos años, especialmente con las novedades en informática musical. La oferta es tan grande que es fácil perderse; por ello es necesario tener claro lo que vamos a necesitar para hacer música y cómo elegirlo correctamente.

· EL ORDENADOR

    Es el elemento central de un estudio doméstico moderno. El ordenador va a centralizar la mayoría de las tareas de creación y producción, y por ello debes ser certero a la hora de elegir. Aunque seguro que ya tienes un ordenador que podrás utilizar para música y así ahorrarte el gasto, aquí hablaremos como si no tuvieras nada, para repasar los elementos principales a los que debes prestar atención.

    Sin duda los PC son mucho más baratos que los Apple Mac y ofrecen un alto rendimiento por su precio, así que en esta primera elección lo tienes bastante claro. Intenta no ser demasiado rácano, y no escatimes sobre todo en la placa madre; una placa barata y de baja calidad va a darte muchos dolores de cabeza. El procesador puede ser -el gran dilema- un Intel Pentium o un AMD Athlon; nosotros vamos a mojarnos aquí recomendándote un AMD por su relación prestaciones/precio, pero insistiendo mucho en que lo acompañes de una placa madre de calidad; asegúrate previamente de que no vas a tener problemas de compatibilidad.

    La tarjeta de sonido es por supuesto el elemento sensible de un PC dedicado a música, y debes tomarte tiempo para decidir la que te conviene, ya que hay una gran variedad (con una entrada estéreo o múltiples entradas, con sintetizador o sampler a bordo o sin él, etc). Recuerda siempre que "lo mejor" para ti no es necesariamente lo más caro que puedas pagar, sino aquello que mejor encaja contigo y que resuelve tus necesidades. Un punto crucial va a ser su velocidad de trabajo en sistemas VST o DirectX; debes fijarte en la calidad de sus drivers y en su latencia. La tarjeta de sonido, por otra parte, seguramente incluya una entrada y salida MIDI para poder comunicarse con tu teclado o tus dispositivos MIDI, aunque lo cierto es que no todas la llevan, como también es verdad que ya empiezan a salir teclados que se conectan por USB. En este caso -o si necesitas mas puertos de entrada y salida MIDI-, piensa en comprar aparte un interface MIDI; lee nuestros artículos sobre [ protocolo MIDI ] para profundizar en esta cuestión.

La oferta de tarjetas es muy grande y todo depende de lo que quieras hacer y cuánto puedas gastar. Como sugerencia, podemos decirte que la Sound Blaster Audigy está bien si tu presupuesto es reducido (anda por los 90 euros); su latencia es baja e incluye un sampler a bordo. Si puedes pagar más y no te importa no tener sampler en la tarjeta -de hecho, casi ninguna tarjeta lo lleva incorporado; los samplers por software son mejores- entonces tienes otras opciones en la franja de los 300-400 euros que ofrecen una mayor calidad de sonido: Terratec EWX2496, las Audiotrak Inca, los modelos de Hoontech, M-Audio Delta 44, Echo Mia... de más barata a más cara.

    En cuanto a la elección de discos duros, sé un poco generoso. Lo ideal es tener dos, uno donde instalar el sistema operativo y los programas y otro dedicado exclusivamente a grabar pistas de audio. La razón para esto es que si sólo tienes uno, la aguja lectora del HD tendrá que sudar de lo lindo para manejar todas las tareas de lectura y grabación de datos a la vez; repartir el trabajo aligera la carga del ordenador y te permite hacer más cosas. Si no puedes pagar dos no pasa nada; simplemente tu PC se parará donde otros mejor equipados podrán continuar, pero esto sucederá en condiciones bastante extremas. En cualquier caso, compres un HD o dos, asegúrate de que el dedicado a audio es rápido; en los estándares actuales esto significa un ATA100 corriendo a 7200 RPM. Y añade un ventilador de disco duro, que es barato y alarga mucho la vida de estos componentes.

    El último punto importante es la grabadora de CD. Necesitarás una para "quemar" tus temas musicales en un CD de audio que se pueda reproducir en cualquier lector. La oferta aquí también es amplia y seguro que encontrarás una que te vaya bien y no sea cara. Los precios suelen colocarse entre 100 y 200 euros.

    Con esos cuatro elementos bien escogidos, lo demás se hace bastante fácil; simplemente sigue los estándares tecnológicos del momento: compra una tarjeta de video decente, añade un CD-ROM/DVD -aunque la grabadora puede evitarte este gasto- y un monitor de al menos 17" para trabajar cómodamente con muchas pistas en tu secuenciador. Una caja grande y espaciosa mejorará la ventilación y alargará la vida de todas las piezas.

    Por último, decir que tras la aparición del Windows XP las cosas han mejorado bastante en cuanto a estabilidad y rapidez en tareas de música -y en general también-, así que si todo tu hardware y software es compatible con XP (asegúrate bien) te recomendamos instalarlo. Si no es así, tendrás que seguir trabajando con Windows 98 o Me; en todo caso, deberías usar un sistema operativo dedicado sólo a música y bien optimizado. Aquí tienes dos tutoriales para mejorar el rendimiento de estos dos sistemas para música:

· [ Optimización de Windows 9x/ME ]· [ Optimización básica de Windows XP ]
· [ Optimización avanzada de Windows XP ]

· EL SOFTWARE

    El corazón de tu sistema debe ser un secuenciador que se comporte como un estudio virtual completo. Estos programas te van a permitir secuenciar (grabar por pistas) en MIDI y audio, y aplicar efectos virtuales. Incluso podrás añadir instrumentos virtuales en tus producciones. Se encargarán de la mezcla de todos los elementos para conseguir una obra completa. Recuerda que vas a pasar la mayor parte del tiempo delante del secuenciador, así que elige el que mejor se adapte a tu manera de hacer las cosas, sin reparar mucho en lo que dice la gente sobre cual es "el mejor" o en hojas de características.

Los tres secuenciadores principales del mercado actual son Logic (en la foto), Cubase y Cakewalk SONAR, de más caro a más barato. Pero aún el SONAR sigue siendo un poco caro para muchos presupuestos; para solucionar esto, busca las versiones "lite" (reducidas), por ejemplo Logic Audio Fun, Cubasis y Cakewalk Express. O da una oportunidad a otros secuenciadores de bajo precio que también resultan muy completos, como Magix Studio o N-Tracks. Ante todo, fíjate en que puedan secuenciar tanto MIDI como audio, y que funcionen como un "estudio virtual" (esto es, que sean compatibles con plugins VST o DirectX, o ambos).

    Aunque un secuenciador moderno puede cubrir todas las necesidades de creación y producción, no está nada mal que dispongas de un editor de audio específico. Este programa te permitirá tratar archivos de audio concretos para aplicarles diferentes procesos, cosa que puede resultar pesada de realizar desde un secuenciador, que está pensado para manejar múltiples pistas y enfocado más bien a la mezcla. Por ejemplo, cuando tengas toda tu obra ya dispuesta en un archivo máster estéreo, el editor podrá ayudarte a darle unos últimos toques a nivel general.

Aquí las opciones son Wavelab de Steinberg (en la foto), el Sonic Foundry Sound Forge y Cool Edit Pro. Como en el caso de los secuenciadores, estos programas se ofrecen en diferentes versiones a distintos precios. El Goldwave es la alternativa más barata, ya que es shareware; podrás probarlo sin pagar con todas sus funcionalidades disponibles (no como las versiones demo), y si te gusta sólo tendrás que hacer una pequeña donación a su creador.

    Por último, pero no menos importante, debemos referirnos a los instrumentos y efectos virtuales. Son programas que se insertan dentro del entorno de tu secuenciador (formato plugin, "enchúfalo") y se comportan como los aparatos "reales". Por ejemplo, si tenemos una pista de voz podremos añadirle una reverberación virtual, que sonará "en tiempo real"; esto quiere decir que no será necesario procesar la voz para luego ver como queda; simplemente insertando el efecto en ese canal ya oiremos en vivo el resultado. Si cargas un sinte o sampler virtual, podrás tocarlo, grabarlo y editarlo como si fuera un elemento hardware "de verdad".

    Todo esto nos evita un gasto enorme en máquinas; ten en cuenta que muchos secuenciadores ya traen algunos plugins de serie, y que por Internet circulan muchos otros totalmente gratuitos. Como te puedes imaginar los hay de muchas calidades y tipos diferentes así que, de nuevo, no faltará dónde elegir.

Si haces una [ búsqueda ] en HispaSonic por "virtual" o "plugin" ya te toparás con mucha información. De todos modos, si quieres atiborrarte de datos sobre este tipo de software, nada mejor que visitar una página consagrada a los instrumentos y efectos virtuales como [K-v-R] (en inglés).

· EL TECLADO CONTROLADOR     A no ser que nos sorprendan con algún tipo de controlador mental (y basta que lo digamos para que alguien [ se lo tome en serio ]), el teclado es la mejor manera de introducir notas y secuencias en un ordenador. Aunque no sepas tocar el piano deberías hacerte con uno de estos, ya que lo básico se aprende pronto y, de todos modos, facilita mucho las cosas. No resulta nada cómodo trabajar con el teclado del PC y el ratón para estos asuntos...

    No te asustes pensando en precios; no estamos hablando aquí de un teclado sintetizador completo que incluye sonidos y mil historias, sino de teclados "mudos", que se limitan a enviar los datos de notas, volumen y demás por MIDI, haciendo sonar los dispositivos de nuestro ordenador (como los instrumentos virtuales, o el sinte/sampler incorporado a tu tarjeta, si lo tiene). De todos modos, si ya tienes un sintetizador, por supuesto que podrás usarlo como controlador -solo necesitas que sea MIDI-. Si no lo tienes, puedes plantearte también la compra de un sintetizador usado, que añadirá sonidos a tu estudio a un precio reducido.

Hay una gran oferta en el mercado de teclados maestros, y los precios varían dependiendo del número de octavas que tenga el teclado y de las funciones que ofrezca. Pueden encontrarse modelos alrededor de 100 euros, y a partir de ahí, lo que quieras. Algunos fabricantes famosos son FATAR, Midiman, Evolution, Edirol (filial de Roland) o Miditech.

· MONITORES

    Necesitarás algo para escuchar todo lo que haces, y de hecho esta es una de las partes mas importantes de todo el estudio. De poco sirve gastarse dinero en todo lo demás si al final lo vas a escuchar con una calidad mediocre. Necesitamos que el sistema de escucha sea lo más nítido y fiel al sonido original que podamos. Una frustración típica de todos los que empiezan es ver cómo sus obras suenan más o menos bien en casa y, sin embargo, al escucharlas en el coche o en la cadena de un amigo todo se convierte en un desbarajuste. La culpa de esto siempre es del sistema de monitorización. Si, por ejemplo, tus altavoces no reproducen adecuadamente las frecuencias graves, tenderás a a ecualizar y marcar excesivamente esa franja; de ese modo, cuando lleves tu trabajo a otro sitio los graves estarán "pasados de rosca".

    Lo primero que haremos será descartar los "altavoces multimedia" que son habituales en el mercado informático. Ofrecen una calidad muy baja, y no están diseñados para esta función. Algunos modelos de gama alta pueden ser razonables, como los Videologic Sirocco, pero considerándolo todo, es la peor opción. Para gastarse 300 euros en un sistema multimedia, te recomendamos que ahorres un poco y esperes a tener unos monitores de estudio a tiro.

    Si tienes cerca del PC una cadena de música hi-fi la situación mejora. Puedes conectar el ordenador a la cadena y escuchar todo lo que haces a través de ella; la calidad de un sistema hi-fi medio es superior a las soluciones multimedia.

    Lo ideal es hacerse con unos monitores amplificados de campo cercano (esto es, diseñados para escucharse en un radio corto de distancia). Son aparatos diseñados para ofrecer una respuesta "plana" y no colorear el sonido con elementos extraños. El hecho de que lleven su propia amplificación integrada en el sistema nos evita la compra de un amplificador aparte, mejora la calidad de sonido y reduce el cableado, si bien eleva el precio.

Los precios de monitores de campo cercano autoamplificados empiezan a partir de los 450 euros de unos Behringer Truth, y suben casi hasta el infinito... considera también modelos como los Yamaha MSP5 (en la foto), Event PS5 o PS6, Genelec 1029, Alesis M1 MkII active o Tannoy Reveal active; todos estos oscilan entre 600 y 900 euros aproximadamente. Y si ya tienes un amplificador adecuado, podrías ahorrar dinero comprando los típicos Yamaha NS10M (un estándar en muchos estudios, aunque hay mucha polémica sobre su calidad), o los Alesis M1 y Tannoy Reveal pasivos (esto es, sin amplificar).

    De todos modos, es importante hacer un matiz general. Aunque tener unos buenos monitores puede mejorar mucho la audición, esto no depende solo de ellos. Estos monitores están diseñados para situarse en salas tratadas acústicamente, o sea en estudios bien preparados. Si haces música en tu habitación no tiene mucho sentido arruinarse comprando monitores, porque no les sacarás el partido adecuado. Asi que busca un punto medio: procura evitar la mediocridad de los altavoces multimedia e intenta hacerte con un sistema hi-fi decente o unos monitores de bajo precio.

· OTROS APARATOS

    Con todo lo que hemos dicho hasta ahora ya podrías empezar a hacer música desde ya. Pero por si acaso, vamos a detallar algunas otras posibilidades que pueden llegar a ser necesarias en ciertos casos.

    -Micrófono: por supuesto, es vital si quieres registrar tomas de voz o de instrumentos reales. No lo hemos destacado antes porque para empezar cualquiera vale, pero si quieres unos resultados dignos tendrás que pensar en un buen micro dinámico "todoterreno" como el Shure SM58, o uno de condensador barato como el Behringer B-1 (en la foto), para conseguir más naturalidad; ambos micros rondan los 150 euros. Para saber más sobre tipos de micrófonos y averiguar cuál te conviene más, recuerda leer nuestros [ tutoriales de micrófonos ].

    -Mesa de mezclas: es importante si quieres introducir en el ordenador, a través de la tarjeta de sonido, un conjunto de señales externas. Por ejemplo, si tienes un grupo y quieres grabar al batería o al guitarra y al bajo a la vez vas a necesitar varios micrófonos o entradas de línea, es decir: una mesa. una confusión generalizada es pensar que las tarjetas de sonido de múltiples entradas pueden actuar como mesas de mezcla, sin más. Esto no es del todo correcto: esas entradas suelen ser sólo de nivel de línea, lo que te obligará a preamplificar las señales de micro o no se oirán. Tampoco permiten controlar el nivel de entrada original; si la señal llega saturada, lo más que vas a poder hacer con la tarjeta es subir o bajar el volumen... de una señal distorsionada. Ten todo eso en cuenta a la hora de elegir. En cuanto a mesas, las famosas Behringer Eurorack son seguramente las mejores en calidad/precio, y una mesita decente como la 1604A (en la foto) sale por unos 280 euros. El modelo 2004 cuenta con 8 salidas independientes que pueden ir muy bien con tarjetas multientrada.

    -Cableado: bueno, es obvio que será necesario disponer de cables para que las cosas funcionen. No hablamos de los cables de alimentación de los aparatos; para empezar, te harán falta un par de cables MIDI para conectar el teclado a la tarjeta de sonido (o a un interface MIDI si es lo que elegiste), a no ser que el teclado se conecte por USB -que los hay-. La salida MIDI se conecta a la entrada MIDI de la tarjeta, y la salida MIDI de la tarjeta a la entrada MIDI del teclado, como es lógico, aunque esa segunda conexión puede sobrarte si tu teclado no tiene sonidos, evidentemente. Por lo demás, te harán falta cables de micro para conectarlos a la tarjeta o la mesa de mezclas, y cables de línea para hacer lo mismo con guitarras y bajos eléctricos, sintetizadores y demás. En general, el gasto total en cableado deberia ser bajo; ve a una tienda de electrónica y pide los cables a medida -que estén bien apantallados para evitar interferencias de los aparatos eléctricos de tu estudio-, o si eres mañoso y sabes como hacerlo, móntalos tú mismo comprando los componentes por separado.