sábado, 11 de agosto de 2018

¿Cumples con tus monitores las dos distancias límite?


Incluso en los mayores estudios no faltan unos monitores 'near field' o de campo cercano. No son un producto sólo en respuesta al 'home studio' y sus precariedades de espacio. Una escucha analítica propia de labores audio/mezcla exige tener en cuenta dos límites de distancia en el uso de monitores, y da sentido a la exigencia de los 'near field', a pesar de que se cuente con otros tipos de escucha. Esos límites son el tema de este tutorial.

Un estudio con los omnipresentes 'near-field'
genelec.com

Resumen


El uso de monitores en una sala viene condicionado por dos límites en cuanto a distancia monitores-técnico:

  • El límite superior viene vinculado a la distancia crítica, una característica de cada sala. Más allá de esa distancia la reverberación de la sala supera el nivel del sonido directo, imposibilitando una escucha crítica.
  • El límite inferior viene dado por características de construcción del monitor. La construcción y dimensiones del monitor no permiten en su íntima cercanía un campo de escucha bien conformado. Se genera ahí, una zona próxima borrascosa en la que es inviable una escucha fiable.
Como resultado de la existencia de ellos, cada monitor dentro de cada sala resulta aprovechable sólo en una franja de distancias. Presentamos estos conceptos y los ilustramos con ejemplos prácticos.

Introducción: el dinero no lo es todo


Pensar en una escucha placentera nos lleva a imaginar unos monitores gigantescos en un generoso salón dentro del que nos situamos casi tumbados en un mullido sofá a bastantes distancia de esos carísimos monitores. Pero esa escucha placentera tiene poco que ver con lo que necesitamos a la hora a abordar labores de producción audio/mezcla/masterización. Necesitamos un entorno que facilite la escucha analítica. Una escucha capaz de revelar con facilidad detalles que en esos otros entornos convencionales no se llegan a percibir de una forma consciente, aunque sean una parte importante del buen resultado ‘global’ que los destinatarios del contenido audio esperan disfrutar.

A muchos sorprende ver que en cualquier gran estudio, no sólo en dimensiones sino también en calidad, además de sistemas de escucha grandes y aparentes, nunca faltan unos monitores próximos al técnico y pequeños. Una de las razones que podríamos pensar que lo justifican es la de disponer de una escuchas más parecidas a las que los mortales comunes usan. Pero no es así.

Aunque pueda ayudar en parte a tener esa variedad de sistemas de escucha con la que cotejar cómo va a sonar el producto final, esos monitores de campo cercano (near-field) no son nada parecidos a los típicos en entornos ‘hifi’ o en ‘car-audio’. Tampoco lo es la sala de control en la que se ubican, que tiene unas condiciones de silencio y de escasez de reverberación muy diferentes a los entornos habituales de los oyentes finales.

La principal razón de ser de esos near-field tiene que ver con dos distancias que hemos de respetar en el uso de cualquier monitor y que nos restringen en cada sala el espacio en el que pueden ser aprovechados. Al final obtener un buen entorno de escucha analítica exige una adaptación correcta de monitores y sala, en la que es determinante conocer esas dos distancias límite. Y los monitores grandes y caros, aunque cumplen algunas funciones, dejan desatendidas otras cuestiones que sólo los near-field pueden resolver, a la hora de enfrentar ese compromiso monitor-sala.

No te vayas lejos: la distancia crítica


¿Recordáis aquel anuncia de 'En las distancias cortas es cuando una colonia de hombre se la juega'? Más allá de lo hilarante que pueda resultarnos, nos viene al pelo para el tema de hoy.

En un tutorial anterior sobre propagación del sonido en espacios cerrados (habitaciones, salas, auditorios,...) definíamos muy de refilón al final el concepto de 'distancia crítica' (llamada también radio de reverberación). Cuando el sonido se produce en un espacio cerrado se genera un campo reverberante nada desdeñable. En las salas en las que realizamos nuestra vida ordinaria hay una generosa dosis de reverberación, muy alejada de las condiciones de una sala anecoica en la que el fondo reverberante es despreciable frente a la señal directa.

La distancia crítica en una determinada sala o espacio es aquella a la que se igualan nivel de señal directa y nivel de señal reverberante. Aunque es dependiente de la frecuencia, suele resumirse en un valor único, usando una media que normalmente -por tradición histórica y por ser una zona de especial sensibilidad en nuestra audición- se suele restringir a la banda de mayor presencia de la señal de habla (300 a 3000 Hz aprox.).

El caso es que el valor de distancia crítica que encontramos en salas reales es muy bajo, sorprendentemente bajo. Se mueve en el entorno del metro o los muy pocos metros. Escuchar más allá de ese punto implica oír más nivel reverberante que directo.

Como el sonido reverberante es aproximadamente constante en nivel para cualquier ubicación de la sala mientras el directo cae 6dB cada vez que se duplica la distancia, situarnos a sólo dos veces la distancia crítica implica ya una reverberación 6dB por encima del sonido directo. Imposible juzgar con un mínimo de rigor qué está sonando. Toda habrá quedado emborronado por la presencia de la reverberación. Y recordad que hablamos de apenas unos metros.

Zona de escucha 'sin reverb' para distintos monitores y salas


Me ha parecido magnífica para ilustrar este tutorial la figura que os acompaño, tomada de un documento divulgativo de Genelec. Pinchad en ella para verla con buena resolución.

Ejemplos de adaptación monitor-sala
genelec.com

Esta figura describe, para diferentes combinaciones monitor/sala, la zona útil (verde) entre los dos límites. Se marca con una pequeña franja azul la distancia crítica. El volumen de cada sala viene indicado en metros cúbicos y se acompaña su valor de tiempo de reverberación en segundos (RT60).

Los valores de RT60 son realmente bajos, propios de lo que corresponde a salas correctamente acondicionadas para escucha analítica. Salas con RT60 corto a base de reducir la reverberación mucho más de lo que es propio en espacios domésticos, oficinas y despachos, no digamos ya salas de concierto. Pensad que los valores normales en usos domésticos y de oficina pueden ser de entre 0,5 y 1 segundo, así que los reflejadas en este cuadro son de salas ya preparadas para uso en control/mezcla.

Respecto a los tamaños de las salas del cuadro, la más pequeña, con 55m3 y pensando en la altura típica de techo en torno a los 2,5 o 3 metros implica una planta de unos 18 o 20 m2, bastante generosa para lo que son algunos 'home studio'. La más grande y sus 400m3 implican una planta enorme, de decenas de metros cuadrados, sin duda con techos también altos más allá de los 2,5m típicos en una construcción de uso residencial.

Podéis ver cómo la distancia crítica en toda esa variedad de salas va desde 1,5m a 5m. En definitiva apunta a la necesidad de situarse cerca de los monitores. Si en la sala pequeña a 1,5m ya tenemos la reverb tan fuerte como el sonido directo a pesar de que es una sala muy muerta, necesitaremos estar a sólo 75 cm de los monitores para poder tener 6dB más de señal directa que reverberante. Y hablamos de una sala de unos 20m2 de planta y bien acondicionada (con RT60=0,21s.).

Para tener 12dB tendríamos que estar a menos de 40cm y para tener 18 a menos de 20cm... Pero no podemos aproximarnos sin límite a los monitores. No es razonable porque existe otro límite. Hay también otro tipo de distancia crítica por debajo.

Los problemas de la proximidad


Pensando en un altavoz convencional, muy cerca de su cono no hay una única fuente puntual capaz de esa emanación esférica. Podemos considerar el cono como un montón de pequeños 'fragmentos' que se mueven simultáneamente y acoplados. En la zona muy próxima todas esas emisiones se combinan de formas complejas, hay muchos efectos 'de borde' y condiciones singulares que impiden un campo sonoro repartido de forma homogénea / esférica.

Lo ilustrábamos en otro tutorial con esta figura:

El carácter singular del campo cercano
pablofcid

La idea de que el sonido generado por una fuente audio se propaga esféricamente sólo es cierta un poco alejados de ella.

Campo cercano vs lejano
pablofcid

Todavía peor y aún más claro, en un altavoz multivía, a corta distancia podemos tener enormes diferencias relativas de trayecto y de directividad entre lo que emana de cada una de las vías hasta nuestro oído, de nuevo llevando a que no sea posible una escucha decente en las distancias cortas.

Definitivamente no, para los monitores, las distancias extremadamente cortas no son las mejores, aunque sí lo sea para las colonias y los perfumes.

La extensión de la zona borrascosa


De nuevo podéis haceros una idea práctica en el cuadro de Genelec que os ofrecía antes. La zona roja que hay en cada una de las líneas habla de la región en la que el monitor no puede ser escuchado sin sufrir un exceso de problemas de este tipo. Tomemos como ejemplo el primero, relativo a unos Genelec 8010 en una sala de 55m3 con RT60 de 0,21s, como sería un muy bien acondicionado espacio con superficie de unos 20m2 poco más o menos.

8010, unos near-field con cono de 3
genelec.com

En los monitores 8010 (los más pequeños del cuadro, con woofer de sólo 3 pulgadas y unas dimensiones reducidas que no alejan tanto el woofer y el tweeter) la distancia crítica ronda ya los 30 cm, mientras en un 8350 (de mayores dimensiones y con woofer de 8 pulgadas) crece hasta nada menos que unos 80 cm.

Detalle de 4 combinaciones monitor-sala
genelec.com

En la sala pequeña del cuadro, con su metro y medio de distancia crítica, intentar aplicar los 8350 nos impediría encontrar un ubicación correcta: a 75 cm (mitad de la distancia crítica y por tanto con señal directa 6dB por encima de la reverberante) estaríamos ya en 'zona de borrascas' por la proximidad al monitor.

Una pareja de 8350
genelec.com

Soluciones mediante otras tecnologías


El panorama que describe ese último ejemplo no debe hacernos desesperar del todo respecto al uso de monitores más allá de las 3 pulgadas en salas tan pequeñas. Pero sí debe hacernos considerar otras alternativas, menos habituales.

Por ejemplo, sin abandonar el cuadro, encontraréis que el modelo 8351 sorprende con una bajada hasta los 30 cm de su zona 'roja'. La misma que nos daba el 8010, pero ahora con todo un diseño en tres vías con woofer oval de 8x4 pulgadas, además de medios de 5" y tweeter de 3/4". ¿Cómo lo logra? Su éxito para recortar la región borrascosa más próxima proviene de un cambio del tipo de diseño, que pasa a ser de tipo 'on-axis', con todas las vías centradas en la misma posición/eje y por tanto en mejores condiciones para evitar problemas por diferencias de camino. Quizá esto es lo que le ha valido ser producto del año para los lectores de hispasonic en la categoría de equipo de estudio.

Genelec The Ones
Los 8351 y su diseño 'on-axis'
genelec.com

La franja útil, más corta de lo que pensamos


Como veis por estos ejemplos y en ese cuadro, la franja útil de distancias a la que podemos aprovechar un monitor en nuestros espacios habituales de trabajo es bastante corta, excepto en unos pocos tipos de diseño que no son los más corrientes, y que por tanto pueden tener un precio más elevado.

En las salas pequeñas no nos queda otro remedio que olvidarnos de los monitores más amplios y sus extensos graves. Los graves ocupan muchos metros en el aire (17 metros un ciclo de 20 Hz, todavía más de 8 metros un ciclo de 40 Hz) y físicamente ‘no caben’ en pequeñas habitaciones. Los graves se ven obligados a una auténtica tortura en el aire confinado, colisionando consigo mismos, sin llegar a desarrollarse con normalidad, obligados a doblarse antes de llegar a desplegarse. Por hacer una analogía, un poco de la misma forma que un feto ya desarrollado no cabe en el seno materno salvo que esté plegado hecho una bola. Esos graves extremos no generan un campo útil y bien desarrollado, sólo son un mar de problemas.

Pero además, incluso para otras frecuencias menos críticas los fenómenos de proximidad, enfatizados cuantas más vías haya y más separadas estén -lo que habla del tamaño del monitor-, hacen que no podamos pretender una escucha adecuada demasiado cercana. Y por otra parte tampoco debemos alejarnos en exceso porque aproximarnos a la distancia crítica hace que perdamos capacidad crítica en la audición por el velo que la reverberación añadirá.

En salas algo mayores, los near-field no desaparecen en pro de los far-field, si no que se cuenta con ambos tipos. Las razones son variadas. Diferentes tipos de escucha son mejor apoyadas desde uno u otro tipo. Pero siempre los monitores de campo próximo permitirán una escucha más libre de efectos de sala al estar más alejados de las paredes y al permitir una mayor proximidad del técnico, cercana a esa precisión que ofrece la escucha por auriculares pero sin sus efectos secundarios ni el cansancio que comporta.

Y desde luego, la tentación de montar unos monitores mayores de lo adecuado a nuestra sala demuestra ser algo que proviene más de los ojos que de los oídos. Las ganas de ver unos opulentos macroaltavoces no debe hacernos olvidar que quizá oigamos mejor, por una vez, ahorrándonos un poquito de gasto.

Presonus mejora el firmware de StudioLive III y regala 4 plugins


El firmware 1.9 trae diversas mejoras de rendimiento y ampliación de soporte de dispositivos AVB, pero además se acompaña de descarga gratuita de 4 plugins 'fat channel' hasta el 10 de agosto, válidos para Studio Live III y para el DAW Studio One. El nuevo firmware está recomendado para todos los formatos de StudioLive Series III, ya sean en mesa o en rack.
Presonus StudioLive Series III
StudioLive Series III
presonus.com
En cuanto a AVB ofrece una integración sencilla con productos recientes de la propia Presonus de los que ya hemos hablado este último año, como los mezcladores para monitorización personal EarMix 16M y los 'networked stage box' NSB.
La insistencia por Presonus en recomendar el paso inmediato a la 1.9 y sus 'mejoras de rendimiento del mezclador' hace pensar en que sea una forma velada de realizar un buen número de correcciones de comportamiento. Pero sea lo que sea viene apoyada de la mejor manera posible para convencer de realizar ese mínimo esfuerzo que supone una actualización: regalando un atractivo juego de plugins que exige la presencia de esa 1.9 para funcionar.
Se trata del Vintage Channel Strips Bundle, un juego que está pensado para el 'Fat Channel' de Presonus, de forma que puede usarse en los mezcladores StudioLive Serie III, pero también puede aplicarse dentro del DAW Studio One Artist o Professional (versiones 3.5.6 y superiores). Como es sabido, la idea de la integración 'fat channel' entre las consolas y Studio One es que el mismo procesamiento que se realiza en las mesas pueda ser replicado en el DAW, con lo que las grabaciones pueden registrar el audio sin procesar pero garantizando la recuperación del sonido procesado de forma fácil y sin especial intervención, dado que los ajustes de mesa se copian sobre la instancia del channel strip en cada canal de Studio One. Vintage Channel Strips Bundle, cuyo precio normal es de más de 250€, ofrece una emulación de procesadores 'vintage' que se suman a los otros ya disponibles: Classic Compressor, Vintage 3-Band EQ, Tube P1B Compressor, y Tube Midrange EQ.
Presonus Vintage Channel Strip Bundle para Fat Channel
Vintage Channel Strip Bundle para Fat Channel
presonus.com
Más información | presonus.com

Steinberg VST Transit permite ahora la colaboración remota entre músicos con cualquier DAW


Tengas el DAW que tengas, uses Windows, MacOS o iOS... Si quieres colaborar con músicos remotos, VST Transit lo pone fácil: ya no exige usar Cubase. Se trata de un servicio en la nube conocido desde 2015, pero que estaba reservado sólo a usuarios de Cubase por formar parte nativa de las ediciones Pro y Artist. Ahora aparece la app para iPad VST Transit Go app que permite contar con las facilidades de colaboración en el entorno móvil que ofrece un iPad, y también se ofrece, aunque de momento en beta, VST Transit Join que permite el uso de estos servicios en cualquier DAW o host al integrarlos en forma de plugin.
Steinberg VST Transit
VST Transit, la colaboración se extiende a cualquier DAW
steinberg.net
Mantiene la facilidad y elegancia habituales en el software de Steinberg, haciendo posible que instrumentistas diversos desde cualquier lugar del mundo colaboren aportando sus interpretaciones hacia un proyecto. VST Transit también gestiona la 'red social' correspondiente, permitiendo que haya intercambio de mensajes y búsqueda de perfiles que puedan interesarnos para un proyecto determinado y que quieran colaborar aportando su granito de arena. Por supuesto tu perfil también puede servir para promocionarte cara a ofrecer tus servicios a los interesados y se pueden realizar descripciones de qué buscas incorporar en un determinado proyecto para llamar la atención de posibles colaboradores.
En cuanto a la app para iOS, aunque la aplicación se instala gratuitamente, usa compras 'in-app' para liberar algunos de los módulos, entre otros un 'Recording Module' que es el que actualmente está disponible y que permite un número de entradas y pistas prácticamente ilimitado.
Los usuarios del Cubase (Pro y Artist) cuentan con este tipo de tecnología formando parte de forma nativa de su DAW, pero ahora con VST Transit Join (el plugin gratuito VST/AU/AAX con tecnología Transit) la colaboración puede extenderse hacia usuarios de cualquier otro sistema.
Permite grabar pistas que pueden añadirse a los proyectos en la nube de Transit y realizar una edición muy simple, dado que la edición extensa se puede posteriormente completar en el DAW de nuestra elección. Por lo mismo, las pistas (hasta 4 mono o estéreo) que forman un proyecto dentro de VST Transit pueden mezclarse controlando volumen y panorámica así como mutes/solos.
El negocio no está tanto en las aplicaciones o sus extensiones, como en el carácter de 'en nube' y la consiguiente suscripción. Por defecto y sin coste, se dispone de 750MB de almacenamiento y un límite de 1,5GB de tráfico de bajada al mes. Diferentes tarifas Premium ofrecen distintas capacidades de almacenamiento y límites de tráfico, ya sea por 3 meses (pensado para una colaboración ocasional concreta) o para un año (si nos convertimos en usuarios asiduos). También están previstas ampliaciones del tráfico que pueden adquirirse una vez agotados, si fuera el caso, los límites de cada tarifa.
VST Transit Go puede descargarse de la App Store, y el plugin VST Transit Join está disponible como beta con descarga gratuita desde la web Steinberg.
Más información | steinberg.net
Steinberg VST Transit
Infografía sobre VST Transit
steinberg.net

sábado, 5 de mayo de 2018

Primer contacto con Guitar Pro 7

uando Internet se hizo verdaderamente popular, las fotos, la música y los vídeos aún eran archivos demasiado pesados para ser intercambiados con la misma agilidad con la que hoy lo hacemos. Sin embargo, las tabulaciones para guitarra circulaban con una cierta facilidad, ya que eran documentos que se podían crear cómodamente en un archivo estilo “bloc de notas”, y proporcionaban un verdadero entretenimiento para los guitarristas. Miles de personas hacían sus propias transcripciones de los temas, que más tarde compartían con otros usuarios.
Sin embargo, el avance de las tecnologías permitió la creación de programas específicos como Guitar Pro. Con él, no sólo es posible crear y abrir archivos de tabulaciones de guitarra creados por terceros u obtenidas desde MySongBook, sino que podemos escuchar su sonido, modificarlos, reproducirlos a diferentes velocidades, y cambiar su afinación para adaptarlo a nuestro instrumento. En su última versión, Guitar Pro 7, incluso podemos tocar realmente con nuestra guitarra gracias a su emulador de amplis incorporado. En definitiva, se trata de todo un banco de trabajo pensado para el aprendizaje que en Guitarristas hemos tenido la ocasión de analizar.
Guitar pro 7 header

Interfaz y aspecto renovados

El nuevo Guitar Pro 7 ha experimentado algunos cambios estéticos (en parte gracias a su adaptación a las nuevas pantallas HD y Retina) y de la organización de las herramientas. En síntesis, muchos de los elementos básicos siguen presentes: la barra de transporte con los botones play, stop, rewind y compañía siguen siendo el sector de mayor importancia, que ahora ocupa la parte superior de la pantalla en lugar de la inferior. Sin embargo, ya detectamos algunas mejoras: esta barra reúne ahora en un espacio más compacto algunos de los datos que en la versión 6 teníamos desperdigados por la pantalla (tales como el compás, el minuto y segundo exacto de reproducción o la proporción de compás empleado al escribir). Junto con la elección de un código de colores algo más sobrio, el nuevo Guitar Pro 7 tiene, en general, un aspecto más ordenado y serio que sus predecesores. También las partituras se han rediseñado un poco, para dar un aspecto más profesional. En conjunto, parece que Arobas Music ha decidido cambiar ligeramente la actitud de Guitar Pro, y situarlo más cerca del punto de mira de los usuarios algo menos principiantes.
Guitar Pro 7

Facilidad de uso

A pesar de los cambios introducidos, la mayor parte de las funciones se mantienen en su forma de uso y denominación aunque hayan cambiado de ubicación física en la pantalla. Es algo que agradecerán los usuarios de Guitar Pro 6, que no encontrarán dificultades en trabajar con Guitar Pro 7 de inmediato. Las herramientas para escribir partituras y tabulaciones son las mismas de siempre, aunque se ha ampliado el abanico, incorporando elementos percusivos como el golpe, pick scrape, o el dead slap para poder crear documentos más fidedignos a la interpretación final. No resulta difícil leer y escribir/componer cómodamente, ya que el desplazamiento por la pantalla ha sido suavizado, pero no estamos satisfechos del todo con el funcionamiento del Zoom que, aunque ha recibido el mismo tratamiento, no sigue la ubicación de nuestro cursor, haciendo algo incómodo tener que ir a buscarlo cada vez que ampliamos o reducimos un área.
Guitar Pro 7

El plato fuerte: emulador de amplis y afinador polifónico

Sin duda se trata de la innovación que lo cambia todo en cuanto a Guitar Pro: la posibilidad de conectar nuestra guitarra y emplear los sonidos de emulación de amplis de Guitar Pro, que van desde los sonidos limpios al High Gain. Explicado de un modo sencillo, si tenemos una interfaz de audio a la que conectar nuestra guitarra, Guitar Pro tomará la señal de nuestro instrumento y lo procesará con estos emuladores, para poder tocar a tiempo real con ellos. Su sonido nos sorprendió desde un primer momento por ser bastante aceptable; más tarde descubriríamos que se trataba de emulaciones hechas por Overloud, creadores del plugin TH3.
Guitar pro 7
El contar con una empresa que acumula experiencia en dicho terreno, ha sido todo un acierto por parte de Arobas, que también podría haber decidido conformarse con incluir unas emulaciones cualquiera para cumplir la papeleta. Lejos de ello, se trata de emulaciones con las que pudimos tocar cómodamente, con una latencia dentro de lo razonable (variable en función del buffer empleado por nuestra tarjeta de sonido) e incluso con algunos efectos. Además, si la partitura con la que estamos trabajando está bien programada, posiblemente incluya información sobre los presets que cada parte de la canción requiere, cambiando de sonido automáticamente según avanza la canción. Esta prestación aporta un nivel de diversión y practicidad muy a tener en cuenta: imaginad encender vuestro ordenador, conectar vuestra guitarra a la interfaz y simplemente abrir Guitar Pro 7. En ese momento, sólo tenéis que elegir un tema, comenzar a tocar y la automatización hará el resto, ya que los cambios de sonido también están programados. Si la banda de la que estamos aprendiendo el tema tiene dos guitarristas, podemos duplicar la diversión asumiendo un rol diferente cada día.
Afinar tampoco es un problema, ya que el propio programa tiene un afinador incorporado que, además, es polifónico: tocando todas las cuerdas a la vez puede evaluar su afinación. En definitiva, esta sección dota de una nueva dimensión al programa, mucho más interactiva, y que nos dio mucho que pensar acerca de las posibilidades que podría llegar a ofrecer la próxima entrega de Guitar Pro. Eso sí, la afinación va ligada a la que viene descrita en la partitura. De modo que si la canción está afinada un semitono más abajo, el afinador espera recibir esa afinación también.
Guitar pro 7 afinador

Conclusión

Aunque las novedades en esta nueva versión son varias (incluyendo algunas que no hemos mencionado, como los nuevos formatos de exportación mejorados que incluyen el mp3, o la posibilidad de convertir en tabulación todas las pistas de partitura), a nuestro parecer la inclusión de emuladores para conectar nuestra guitarra cambia el juego. De repente, el programa ya no es una “partitura virtual” que simplemente leemos, sino que es el banco de trabajo completo en el que practicamos.
No obstante, cuando se nos da algo nuevo, no podemos evitar nuestra tendencia a pedir aún más. Puesto que Guitar Pro 7 es un programa de aprendizaje, no nos parecería descabellado que la próxima entrega permitiese el uso de dos guitarras al mismo tiempo con la función de emulación. Ello permitiría el trabajo simultáneo de un profesor y un alumno aprovechando las posibilidades de automatización de sonidos, o dos compañeros de una misma banda ensayando su nuevo tema. Después de todo, poseer dos entradas de instrumento en una interfaz de audio es prácticamente un estándar, por lo que sólo habría que asegurarse de que el equipo del usuario medio es capaz de procesar dos instancia simultáneas del emulador de amplis, algo de lo que creemos que la mayoría de ordenadores actuales sería capaz. Habrá que esperar a Guitar Pro 8 para comprobarlo, pero hasta entonces, aplaudimos el cambio de dirección tomado por Guitar Pro 7.
Guitar pro 7
Más información | Guitar Pro 7

¿Es Kemper y el profiling un delito contra la propiedad intelectual?

Desde que el producto Kemper entró al terreno de juego en materia de emulaciones digitales, la palabra inglesa “profile” se ha vuelto más y más frecuente en las páginas web y foros de guitarra eléctrica. Un profile es una descripción en formato digital del sonido de un amplificador, que más tarde podemos emplear para tocar, sin necesidad de poseer el amplificador original. Aparatos como el citado Kemper, son capaces de emitir una serie de sonidos (especialmente pensados para ello) que se reproducen por el amplificador que deseamos clonar, para ser grabados posteriormente. Al analizar el resultado de la grabación, Kemper tiene una descripción de qué es lo que hace ese amplificador con los sonidos, por lo que también es capaz de deducir lo que haría con el sonido de nuestra guitarra. Es más, muchos otros aparatos ofrecen la posibilidad de “copiar” sonidos, sin ni siquiera poseer el amplificador: basta con obtenerlas de un fragmento aislado de guitarra de nuestro disco preferido.
Kemper Profiling Amp
Puesto que ya han pasado varios años, esto se ha vuelto una prestación relativamente común en el mundo profesional y semiprofesional, y otras marcas como Line 6, Fractal o Positive Grid han dotado a sus productos de posibilidades iguales o cercanas. Sin embargo, el youtuber Henning Pauly planteó ya hace un tiempo una pregunta: ¿es ética esta práctica? Según su punto de vista, realizar un profile no dista mucho de copiar exactamente un producto del cuya propiedad intelectual no poseemos derecho. Del mismo modo, obtener un sonido a partir del que ya existe en un disco comercial, podría ser una forma de “apropiarse” de una creación única en la que ha estado trabajando un equipo de músicos y productores, para luego usarla para nuestro beneficio. La argumentación y discusión sobre esto entre Henning Pauly y los usuarios de Youtube dio para mucho: nada más y nada menos que un total de 4 vídeos sobre el tema (en ingés):
Por supuesto hay una parte de los guitarristas que consideran que Henning está exagerando. Y hay algunos aspectos que aún plantean más dudas sobre su postura: no todos los modelos de amplificador ni sus partes tienen las mismas restricciones a nivel de patentes. Después de todo, aprovechando esas "fisuras", existen multitud de productos físicos que son copias de otros. En cuanto al tema de copiar sonidos procedentes de discos comercializados de cuyo máster no poseemos los derechos, el debate podría llegar a ser comparable al que existe en el mundo de los DJ y el sampling, aunque con la complicación adicional de que, en sí mismo, un profile o una textura sonora no es contenido melódico, ni tampoco es una parte literalmente copiada o extraída de un máster.
Por ahora, y puesto que se trata de una tecnología tan nueva y específica que no parece que exista un marco legal detallado para ella. En este momento, todos y todas podemos hacer los profiles de nuestros amplificadores libremente, aunque no todos los fabricantes de amplificadores ven esta práctica con buenos ojos. Otra posible opción es por la que han optado algunos programadores de plugins y emuladores: llegar a un acuerdo con las marcas originales de amplificadores a las que emulan, para que haya un consenso y un beneficio compartido (aparentemente, Kemper intentó esta estrategia con algunos fabricantes, pero no llegó a buen puerto con todos ellos). En cualquier caso, es razonable pensar que nos encontramos ante una zona gris respecto a las implicaciones de propiedad intelectual de un profile, ¿cuál es vuestra postura al respecto?

sábado, 17 de febrero de 2018

BIAS FX 1.5.4 - METAL SIGNATURE PACK - MEGA - TORRENT - WINDOWS

ya estan disponibles las nuevas expasiones de BIAS FX (ni tan nuevas)
Despues de tanta espera y como lo prometi, veran esto aqui antes que en ningun otro lugar!!
Recuerden que necesitan esta ultima version de BIAS FX (1.5.4) para poder usar las expansiones, de lo contrario les será imposible.

METAL SIGNATURE PACK

DESCARGA
clic en la imagen

BIAS FX 1.5.4

DESCARGA
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TORRENT
Necesitan uTorrent para descargar BIAS FX

Reaper 6 llega con apariencia renovada y muchas funciones expandidas

Cockos está anunciando la disponibilidad inmediata de la sexta versión de su DAW Reaper, que viene cargado de novedades que van des...