Reaper 6 llega con apariencia renovada y muchas funciones expandidas

Cockos está anunciando la disponibilidad inmediata de la sexta versión de su DAW Reaper, que viene cargado de novedades que van desde su manejo de audio y MIDI hasta funciones y detalles de su apariencia.

Una de las novedades principales es la integración de una interfaz gráfica con muchas más opciones de personalización, además con soporte para scripts de modificaciones, nuevos diseños y colores, y posibilidad de utilizarse en pantallas de alta densidad (Retina y HiDPI).

Algunos de los plugins integrados de efectos ahora disponen de un modo de control directamente desde el mezclador del DAW, sin necesidad de abrir una ventana aparte de ecualizador o compresor para ajustar parámetros básicos de estos.

Se ha mejorado también el sistema de time-strethcing para ofrecer una solución al estiramiento de audio automático a partir de variaciones del tempo, ofreciendo ahora un modo "beats" que se ajusta al vuelvo.

La edición de envolventes MIDI se ha mejorado notablemente mediante una función de curvas. También se han expandido las opciones de rutas de señal y patches mediante un diagrama de rutas que permite obtener un panorama más claro de las conexiones dentro de todo el DAW, como una suerte de patchbay.

Entre las docenas de mejoras, se halla también una optimización general para proyectos con más de 200 pistas, multiprocesamiento mejorado y todo tipo de correcciones y optimizaciones mejores desde menús hasta mejoras de rendimiento.

Reaper se encuentra disponible ahora mismo desde Cockos para Windows y Mac a un precio de $225 para licencia comercial y $60 para licencia con descuento, al que se puede aplicar si se es individual y piensa usar Reaper de forma personal, si se usa comercialmente pero no para ganancias de más de 20,000, o si se es parte de una organización sin ánimo de lucro.

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PreSonus actualiza Studio One con nuevo explorador, amplis y efectos de guitarra

Continúan las actualizaciones de rigor en DAWs importantes, que además de solucionar problemas menores y realizar algunas optimizaciones, traen novedades significativas. Hace unas semanas Cubase, pocos días después Reaper, ayer fue el turno de FL Studio y ahora Studio One, en su nueva versión 4.6.

La actualización trae un nuevo explorador de archivos, totalmente rediseñado para ofrecer una navegación al parecer más intuitiva que agrega también una nueva pestaña de tienda donde se puede agregar nuevo contenido al vuelo. Se ha agregado también una nueva vista de galería para navegar visualmente pistas, plugins, contenido de la tienda, etc.

Studio One 4.6 cuenta con el optimizado plugin Ampire, pensado como una suite de amplis y guitarras, que incluye un total de 10 nuevos modelos de estos, además de un afinador y nuevos archivos de respuesta a impulsos de más cabinas. Junto con Ampire se encuentra el nuevo plugin Pedalboard que integra 13 efectos tipo pedal stomp.

Otras novedades en la actualización incluyen nuevas funciones de edición para convertir partes de instrumentos en patrones, control dedicado de longitudes de nota en patrones, nuevos modos para edición dedicada de patrones melódicos y rítmicos según el caso, y grabación mejorada de patrones en general.

Se ha actualizado también el sistema Exchange para ofrecer una forma más fácil de intercambiar, previsualizar y organizar proyectos que se intercambian en la web entre usuarios de MyPreSonus, sistema en la nube de la firma.

Studio One  4.6 es una actualización gratuita y puede descargarse ahora mismo. El plugin Ampire se incluye en Studio One Professional pero tiene un costo de $59.95 para usuarios de versiones Artist y Prime.

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Steinberg Dorico SE, edición de partituas ahora en versión gratuita

Dorico es el editor de partituras profesional de Steinberg. Se presenta una nueva versión que puede usarse gratuitamente, limitada a uno o dos intérpretes / instrumentos.

Se trata de una forma de dar a conocer su familia Dorico, pero que pese a la limitación frente a arreglos más complejos podrá encontrar muchas ocasiones de uso. Por supuesto los trabajos iniciados en Dorico SE pueden continuarse con algún otro miembro más capaz de la gama.

Una de las características de Dorico, también presentes en la versión SE, es la integración con sistemas de reproducción de las notas escritas en la partitura. Así hay un modo 'play' que permite contar con un editor de pianola, edición de velocidad de las notas, diseño de contornos de automatización para mensajes de control MIDI, y especial atención a la conversión de las marcas de dinámica presentes en la partitura en información que permita reconstruir esas indicaciones.

En lugar de una fuente de sonidos básica, se pueden usar todo tipo de instrumentos y efectos VST3, además de estar incorporado ya de origen Halion Sonic SE, una edición del entorno sampler/librerías de Steinberg que contiene más de 1000 sonidos y 30 efectos. Cuenta también con un mezclador con inserciones para efectos, efectos en envío y efectos 'master' para tratamiento global. El sistema de audio que subyace en Dorico es el mimo presente en Cubase, y pueden generarse los resultados en formatos MP3 y WAV para poder entregar un fichero audio además de la partitura.

La limitación de Dorico SE a dos instrumentos no le impide abrir proyectos de versiones superiores(Elements -12 instrumentos-, Pro -sin límites-). Los que cumplan esa regla podrán seguir editándose en la versión SE y los que no al menos podrán reproducirse e imprimirse. Eso implica que las facilidades de edición de partitura están al completo en Dorico SE.

Más información | steinberg.net

El amplificador Diezel Herbert, convertido en plugin para Universal Audio

Ahora que las licencias otorgadas por las marcas de amplificadores a desarrolladores de plugins ya no es una novedad, no es extraño que tengamos en nuestro ordenador una colección de plugins emuladores de amplificadores que no sólo cuentan con el beneplácito de los creadores del amplificador físico, sino que en muchas ocasiones luce el logo y el mismo aspecto que el original. Brainworx es una empresa que ya acumula unos cuantos casos como el descrito, Engl, Fuchs, Friedman o Suhr son ejemplos de ello. En esta ocasión, estrenan marca, y la afortunada es Diezel con su amplificador Herbert.

Por si no estáis familiarizados con el Diezel Herbert, se trata de un ampli de gran potencia (180w) con tres canales que puede ofrecer sonidos muy diversos, pero que normalmente está asociado al mundo de la distorsión y a las diferentes variantes del metal. Cuenta con 3 canales y lleva válvulas KT77 en la etapa de potencia. Los tres canales y todas las opciones de su panel frontal han sido trasladadas por completo a la versión virtual del mismo (aparentemente incluso se han incluido los controles de master dual del original).

Accediendo a un menú que simula un panel trasero imaginario del amplificador, podemos acceder a funciones que, si bien el amplificador original no posee (o no del mismo modo), son de gran ayuda en contextos de grabación. Se trata de extras como puerta de ruido, delay o una extensa paleta de pantallas microfoneadas mediante diversas técnicas, que nos da acceso a 120 cadenas de grabación diferentes (es decir, combinaciones de altavoz, micro y previo en diferentes posicionamientos). Además, podemos utilizar la función Power Soak para extremar la saturación. El precio de este plugin es de unos 149 dólares y, lamentablemente, sólo está disponible para las interfaces o el hardware de Universal Audio.

Bias FX 2, el plugin de Positive Grid, ahora emula guitarras

Bias FX es el plugin de Positive Grid que profundiza en el uso de efectos, permitiéndonos crear cadenas de efectos en serie, en paralelo, en estéreo, y con numerosas rutas diferentes que interactúan con los modelos de amplis que, de forma integrada en el plugin, también forman parte de otros productos de la marca, como Bias Amp y Bias Amp 2. La nueva versión es Bias FX 2 y viene cargada con algunas novedades interesantes.

Aunque aún no hay vídeos (actualizaremos el artículo en cuanto los haya) el paquete ya se puede reservar en tres versiones (Standard, Professional y Elite), más completas o menos, que tienen también diferentes precios comprendidos entre los 99 euros y los 299. El primer aspecto que Positive grid destaca es la nueva respuesta dinámica de los cabezales y amplificadores incluídos, que se han extraído de Bias Amp 2. Otro gran punto a favor es la colaboración con Celestion para la incorporación de emulaciones de altavoz.

Sin embargo, la que más nos ha llamado la atención es la función Guitar Match, que promete convertir el sonido de nuestra guitarra en el de cualquiera de las que Bias FX 2 tiene en su base de datos. No se necesita ningún conversor adicional, Bias FX 2 “lee” la señal que entrega nuestra guitarra y se las arregla para acercar su respuesta a la diferentes modelos icónicos. En función de la versión adquirida del producto, la variedad puede extenderse hasta 18 guitarras distintas.

Además de esta atractiva promesa, también se incluyen nuevos efectos (hasta 100 en la versión elite), nuevos racks que emulan piezas clásicas de estudio, un grabador/looperpara practicar o grabar ideas antes de que las perdamos, implementación Midicompleta para poder automatizar los efectos o controlarlos desde un pedal Midi, o cruzar las características de diferentes amplis para crear modelos híbridos. Los presets además tienen cuatro “scenarios”, que vienen a ser diferentes combinaciones de ajustes de los efectos ya existentes en un único preset (similar a las escenas que hemos visto en diversos multiefectos). Y, por supuesto, conservará las prestaciones de versiones anteriores, como la posibilidad de acceder a una comunidad de usuarios que comparten sus presets en la nube, y otras facilidades para almacenar nuestros sonidos. Para tener una idea más palpable del aspecto sonoro, habrá que esperar a ver los primeros vídeos de promo pero, por el momento, parece prometedor.

Fractal Audio FM3, la nueva pedalera inspirada en Axe-Fx III

En realidad, a los fans de Fractal Audio no les ha pillado exactamente de sorpresa, ya hacía tiempo que el creador de Fractal Audio dejaba caer insinuaciones en los foros de Fractal Audio. La nueva FM3 es la pedalera más reciente de la marca, y está inspirada en la interfaz y muchas de las prestaciones del rack Axe-Fx III, el más reciente de la serie. Se trata de una unidad compacta con tres pulsadores (asignables, con función Tap y Hold y posibilidad de crear "layouts", diferentes "escenas" de funciones de footswitch) y pantalla a color (la misma de la versión rack), con leds con colores y que carga el firmware Ares. A pesar de ofrecer un número limitado de pulsadores, en esta ocasión se ha incluido la conexión Faslink para que, si poseemos alguna de las nuevas controladoras de Fractal Audio, podamos expandir su capacidad de control (alimentando además el controlador con la propia FM3). No obstante, tiene MIDI In y Out para que podamos lograr el mismo resultado con una pedalera MIDI convencional.

La pedalera es la sucesora de la AX8 (de hecho, quienes estaban en lista de espera para la AX8 ha pasado a estarlo automáticamente para la FM3), e incluye 256 modelos de ampli, 2200 emulaciones de altavoces mediante respuestas a impulsos y 2000 espacios libres para que nosotros carguemos las nuestras propias. Por supuesto, lleva una enorme colección de efectos y puede funcionar como interfaz de audio 4x4 (la mitad de lo que ofrece la versión rack). Funciona por presets y por escenas (8 por preset).

En la parte de conexiones, tenemos salida estéreo XLR, salida de auriculares, un loop de efectos estéreo (que puede ser tratado como entradas y salidas mono individuales), conexión para pedales adicionales de control (especialmente indicado ya que esta vez sólo tenemos 3 pulsadores), salida digital y dos conexiones USB. Por el momento, las reacciones de los fans de Fractal han sido positivas en cuanto al precio (Direct price: 999 $, List Price 1399 $).

Sin duda, es una suma importante, pero está lejos de los precios de salida a los que nos acostumbró Fractal con sus anteriores productos. Está claro que Fractal Audio quiere entrar a un terreno algo más mundano con esta unidad. Sin embargo, también ha habido algunos usuarios no muy contentos al leer que la capacidad de procesamiento de la FM3 es cercana a la del AX8, que presentaba algunas limitaciones en cuanto a bloques de efecto duales (no permite doble ampli, y algunos efectos como el vocoder han sido obviados). En cuanto al tamaño, parece que tiene las mismas proporciones que uno de los controladores de pie más recientes, por lo que estará sobre unos 28,3 cm x 23,3 cm.

Tom Morello apoya una recogida de firmas para llamar "Chris Cornell" al agujero negro

Seguramente todos estáis al tanto de la reciente proeza científica que ha conseguido la primera evidencia visual directa de un agujero negro supermasivo y su sombra. Este fenómeno gravitacional teorizado por Albert Einstein se encuentra a 55 millones de años luz de la Tierra en la galaxia Messier 87, tiene una masa de 6.500 millones de veces la del Sol, y un diámetro de 40.000 millones de km, ocho veces más que el tamaño del Sistema Solar. Un autentico monstruo, según lo han calificado los propios científicos.

La primera fotografía de un agujero negro fue posible gracias al proyecto telescópico conocido como Event Horizon Telescope (EHT), que mediante la combinación de ocho radiotelescopios sincronizados en 4 continentes, consiguieron procesar las señales combinadas para mostrar esta increíble imagen. Todo un hito de la ciencia.

Pues bien, una fan de Chris Cornell, Giuliana Jarrin, ha iniciado una recogida de firmas en la plataforma change.org para pedir a la NASA y resto de participantes en el proyecto, que bauticen el agujero negro con el nombre de Chris Cornell con la excusa de haber sido el autor de la canción "Black Hole Sun".

Según Giuliana Jarrin: "Black Hole Sun", escrita por Chris Cornell, es sin duda la canción más conocida y popular de Soundgarden, y uno de los mayores himnos de los 90. Por esta razón, y el impacto que Chris Cornell tuvo en la vida de tantos y en la música misma, le pido a la NASA, al Event Horizon Telescope Collaboration y a todos los astrónomos y científicos involucrados en este descubrimiento, que le pongan el nombre de Chris Cornell a este agujero negro. Esta sería una forma "surrealista" y sorprendente de honrar su vida y su contribución a la música"

Esta iniciativa, que ya se encuentra cerca de conseguir la meta de las 50.000 firmas, ha recibido un espaldarazo en las ultimas horas de la mano de Tom Morello. El que fuera compañero de Cornell en Audioslave ha declarado que le encantaría que fuera posible, y que le gustaría firmar la petición ya que le parece algo muy apropiado.

De momento la NASA no se ha manifestado sobre esta petición, y de hecho el agujero negro ya ha sido bautizado con el nombre de "Powehi". Una palabra hawaiana que significa "la creación oscura adornada e insondable", o "la fuente oscura embellecida de creación infinita".

Técnicas avanzadas de masterización

Hay quien opina que la masterización no existe, que es un parche a una mala mezcla. Realmente, aunque no estoy totalmente de acuerdo, no deja de tener razón. En general, una buena mezcla requiere un proceso posterior mínimo. El problema es que, durante el proceso de la mezcla, se tiende a equilibrar unas pistas con otras sin tener claro cómo debe sonar el conjunto ?acrecentado por la fatiga auditiva?. Esto se evitaría en gran medida teniendo una pista como referencia constante durante la mezcla o usando un analizador de espectros.

Entonces, ¿cuál es el objetivo de la masterización? En primer lugar, conseguir uniformidad entre las pistas, de forma que no existan grandes diferencias de sonido dentro de un mismo trabajo; conseguir que suenen igual en cualquier equipo de audio, corrigiendo picos que han pasado desapercibidos en los monitores de referencia usados en las mezclas; y ganar algunos dB de volumen medio. En este último punto hay una gran polémica, pero esta nueva tendencia de apurar al máximo el volumen de una canción tiene su explicación en lapsicoacústica. Para el oído humano, una canción que tiene más volumen que otra es percibida como mejor de forma inconsciente. Este curioso efecto es el motivo por el que se tiende a comprimir y limitar al máximo posible cada pista, consiguiendo, en muchos casos, que la pieza pierda toda la dinámica, siendo este un terrible error.

Propongo una situación real y habitual: acabas de terminar de mezclar unos temas y te gustaría que sonasen correctamente en cualquier sistema de audio y que tuvieran coherencia entre ellas. Sin duda necesitan una masterización, un ajuste común y preciso. Por tanto, coges tus pistas y las cargas en tu editor de audio y te dispones con tus bien conocidos monitores de campo cercano a masterizarlas... Sin duda estás comiendo de entrada tres errores bastante importantes: primero, nunca se debe masterizar sin descansar los oidos. Unos oídos viciados tenderán a destacar frecuencias en la mezcla; en segundo lugar, unos monitores de campo cercano no son lo más apropiado para masterizar, al no ofrecer una respuesta clara y amplia de todo el espectro; y en tercer lugar, tú no deberías nunca masterizar tus propias mezclas, puesto que hay detalles que ya pasas por alto por el vicio de escucharlos una y otra vez. Por tanto, lo mejor es recurrir a un buen profesional siempre que se pueda.

Las condiciones ideales de masterización distan en muchos casos de la mayoría de los estudios de grabación de cualquier categoría. Para estos menesteres se requiere una sala tratada acústicamente, para ofrecer una respuesta equilibrada en todas las frecuencias. No se trata de crear una cámara anecoica; consiste en evitar realces de frecuencias y rebotes dañinos para una correcta audición. Los altavoces son un punto clave: necesitamos escuchar todas las frecuencias sin coloraciones. Es un error habitual en los monitores de campo cercano y, en menor medida, en los de medio campo, su incapacidad para reproducir frecuencias graves, siendo atenuadas las frecuencias por debajo de los 70 Hz. Por tanto, unos monitores de campo lejano, multivía y habitualmente empotrados, serían el punto de partida ideal para la masterización. Es muy importante, además, disponer de escuchas de distintos tamaños y calidades para poder chequear el material en condiciones cercanas a las que dispondrá el receptor final.

La gran polémica surge en cuanto a qué elementos (y en qué orden son adecuados) para una masterización. En el artículo anterior se sugería el sistema del Finalizer. Sin duda hay cosas fundamentales que no deben faltar en una cadena de masterización: un ecualizador, un compresor y un limitador. Personalmente, no podría vivir sin un compresor multibanda y un par de conversores M-S (este elemento lo analizaremos más adelante) y, sin duda, es muy socorrido un excitador aural, pero la gran pregunta es ¿software o hardware? La respuesta: da igual, pero ha de ser de primera calidad. En general, la alternativa software suele ser más barata a igual calidad. Hoy en día, la solución software es la que ofrece mejor calidad-precio. Existen numerosos paquetes de primerísima línea de Waves, Spectral Design y TC, entre otros. Un ecualizador mediocre o un compresor de baja calidad puede destrozar una mezcla. En cualquier caso, la clave de todo el proceso es que la masterización no arregla una mala mezcla.

La normalización

Uno de los objetivos principales de la masterización de un disco es que las canciones sean percibidas a un mismo nivel medio. Cuando empiezas el ajuste de varias pistas, el primer paso lógico es normalizarlas de forma que el pico de volumen más grande coincida con el máximo permitido. En principio esto es innecesario puesto que, mediante la compresión y limitación, vamos a ajustar las pistas para que suenen todas a un volumen medio similar y al normalizar podemos perder sutilezas. Sólo cuando una pista muestre un volumen demasiado bajo se requeriría una normalización. Además, en ese caso, si la pista fue mezclada a 16 bits, la normalización puede aumentar el nivel general del ruido de la pista, con lo que es más conveniente volver a la mezcla y subir el nivel de la mezcla.

Compresión multibanda

Con un compresor multibanda se pueden hacer ajustes muy precisos sobre las distintas bandas. Son útiles para destacar o atenuar instrumentos o frecuencias descontroladas. La diferencia más importante con la ecualización es que la ecualización recorta las frecuencias seleccionadas en todos los casos, mientras que un compresor ajustado a una banda de frecuencias sólo actuará cuando el volumen de esa banda supera el umbral establecido. El compresor multibanda es muy útil para retocar el equilibrio espectral, pero adquiere su mayor esplendor cuando se usa en modo M-S.

Modo M-S

Sin duda uno de los procesos más útiles para hurgar en las entrañas de la mezcla. La conversión M-S consiste en convertir una mezcla de dos canales L-R (izquierda ? derecha, una mezcla estéreo normal) en el formato de dos canales M-S (centro-estéreo), de forma que el canal M contiene la información que se escucha en el centro de la mezcla y el canal S sólo la información estéreo. El canal S consiste en la señal resultante de restar al canal izquierdo el derecho. El canal M es la suma de la señal resultante de sumar el resultado de restar a cada canal la señal S.

M = (L-S)+(R-S) ; S= L-R

Para devolverlo al formato L-R, sólo hay que hacer pasar de nuevo el audio por otro conversor M-S.

Generalmente, en una mezcla solemos disponer en el canal central de la voz, el bajo, el bombo, la caja y algún instrumento solista y en el canal del estéreo suelen estar charles, rebotes de los ecos, reverberación e instrumentos de adorno. Supongamos que tenemos una mezcla en la que la voz suena demasiado alta; es un gran problema. Si intentamos atenuarla mediante ecualización, probablemente perdamos las guitarras ?panoramizadas a los lados?. Si montamos la siguiente cadena...

...y ajustamos el compresor multibanda en la banda de la voz, podremos atenuar únicamente la voz sin dañar el resto de los instrumentos.

Excitador aural

Este elemento fue en el pasado utilizado ampliamente. Cuando la tecnología musical estaba bajo mínimos, las mezclas eran bastante opacas y llegó a ser tan imprescindible que su inventor sólo los alquilaba. Su principio activo se basa en la restauración de armónicos perdidos durante el proceso de la mezcla, añadiendo brillo. En la actualidad, basándose en el mismo principio, han aparecido un nuevo tipo de excitadores que añaden presencia en el espectro de los graves o incluso los que permiten la selección de la frecuencia central. Con la mejora de los procesos de grabación y mezcla, su uso ya no está tan justificado, aunque en muy pequeña cantidad puede añadir ese brillo que suele faltar en los masters. Es un efecto con el que es muy fácil pasarse, porque el oido se acostumbra muy rápidamente y se tiende a añadir más de lo necesario.

Los medidores

Para poder ajustar el nivel entre canciones, es necesario usar medidores fiables. Los vúmetros incorporados en las mesas de mezclas y en los programas suelen ser medidores que reaccionan muy rápido a los transitorios, ideales para evitar distorsión y saturación que, por otro lado, es tan peligrosa en la grabación digital y aparece en cuanto superas los 0dBFS (FS = fondo de escala). Realmente, nuestro oído no escucha así. Aunque tengamos dos canciones cuyos picos máximos llegan al mismo nivel, el volumen medio puede ser diferente. Para poder medir eso, es necesario la utilización de medidores que funcionen en modo RMS (Root Mean Square). Una medidor en modo RMS proporciona el valor eficaz del volumen. Esta forma de medir es más parecida a la forma que tiene el oído humano de escuchar, motivo, además, por el que los medidores analógicos se siguen usando aún en nuestros días.

Software de masterización

Como comenté al principio del artículo, las soluciones en software para masterización ofrecen mayores ventajas que sus equivalentes en hardware. Realmente, se puede masterizar con cualquier programa que permita añadir plugins de efectos y modificar sus parámetros en tiempo real, con lo que abre mucho nuestro abanico, pudiendo ser desde un secuenciador (Pro Tools, Nuendo, Logic, etc.) hasta un editor de audio (Spark, WaveLab, SoundForge, etc.) o un programa especializado (T-Racks).

Entre los editores de audio, los más especializados son Spark y WaveLab. Spark permite el ruteo de la señal a través de distintos efectos, pudiendo separar los canales y procesarlos independientemente de formas muy complejas. WaveLab trae un rack que permite la carga de varios efectos simultáneos y tienes opciones avanzadas de análisis del audio. Existen otras opciones como Peak o SoundForge, pero dan menos facilidades a la hora de masterizar.

El T-Racks 24 es un programa de masterización integrado completamente autónomo. Se basa en la emulación de procesadores de válvulas y no soporta plugins de ningún tipo.

Dentro de los paquetes de efectos en plugins, confesaré que tres son mis favoritos: DSP-FX, Steinberg Mastering Edition (diseñados por Spectral Design) y los de Waves.

DSP-FX es un paquete con algunos años que funciona como plugin DirectX y Saw que contiene varios procesadores (reverbs, chorus, eco) y, en especial, un excitador aural (Enhancer) y un limitador (Optimizer) fabulosos. Su interfaz es bastante antiguo, pero su sonido es fantástico. En particular, el medidor del limitador es muy útil para ajustar el volumen relativo entre las pistas.

El Steinberg Mastering Edition es un paquete de plugins DirectX, VST y WaveLab que contienen un buen surtido de procesadores especialmente dedicados para la masterización que contienen todos los elementos necesarios para realizar una masterización completa. Son plugins de primera calidad entre los que se encuentran el popular FreeFilter (un ecualizador gráfico con funciones de adaptación de curvas de ecualización), el Loudness Maximizer (un limitador bastante musical) y el MultiBand Compressor es un buen compresor/expansor multibanda.

Waves proporciona varios paquetes de plugins, algunos de ellos muy apropiados para la masterización. En particular, es muy popular el L1-Ultramaximizer, un limitador maximizador para masterización y el Ressinance Compressor, un estupendo compresor que puede emular varios tipos de compresores, muy suave y cálido. El L1 me resulta demasiado bruto con la limitación y, de todos los limitadores comentados en este apartado, es el que más deteriora el sonido, cortando muchas veces los picos. Recientemente, Waves ha presentado el L2, descendiente de su versión en rack y que mejora mucho en musicalidad el resultado.

Existen otras opciones de muy buena calidad, como el paquete de plugins TC Native Bundle, que ofrece un surtido de herramientas aptas para masterización y, en forma de programa autónomo, Emagic Waveburner Pro, ideado para la masterización y grabación de masters en CDs.

Hardware de masterización

En este apartado existen numerosas opciones posibles, siendo muy habituales los equipos antiguos a válvulas. Últimamente han ido apareciendo algunas soluciones "todo en uno" de mano de dbx (Quatum y Quatum II), Drawmer (Masterflow DC2476) y los más populares de TC Electronic con su gama Finalizer, Finalizer 96K y Plus.

Convertir WAV (o MP3) a MIDI y viceversa

AConvertir WAV (o MP3) a MIDI y viceversa

clarando las ideas

Los archivos WAV y MIDI no son formatos convertibles; tienen tanto que ver entre sí como el sol y la luna. Que nadie se asuste, porque luego daremos solución a esto; pero es vital marcar diferencias y conceptos antes de empezar.

Cuando hablamos de convertir formatos en informática nos referimos a adaptar un archivo diseñado para una aplicación, de manera que pueda leerse en otra correctamente. Para que esto pueda hacerse, deben darse unas similitudes fundamentales entre los formatos que usan esas dos aplicaciones; por ejemplo, podemos convertir un archivo de WordPerfect en uno de Word. Esto es así porque ambos son formatos de texto, y las únicas diferencias reales entre los dos se deben a la manera que tiene cada programa de leerlos y tratarlos. Lo mismo sucede con formatos de imágenes digitales, como BPM, JPG o GIF. Todos comparten algo: son imágenes digitales. Unos formatos son comprimidos, otros usan más o menos colores, pero en realidad todos están leyendo información digital de un gráfico.

Dando un ejemplo aún mas palpable, convertir un documento de WordPerfect a Word sería como coger una camisa verde y teñirla de rojo. Pero "convertir" MIDI a WAV, o al revés, sería pura alquimia, como transformar la camisa en unos pantalones. Alguien dirá "pero ¿en qué se diferencian tanto el WAV y el MIDI? ¡Si reproduzco un MIDI escucho sonidos, y si pincho un WAV también!". Pues no es del todo cierto...

MIDI es un protocolo de comunicación entre aparatos musicales

El MIDI en sí mismo no produce sonido alguno; consiste en mensajes que se dirigen unos dispositivos MIDI a otros, indicando qué nota debe sonar, a qué volumen, etc. Por ejemplo, un secuenciador manda mensajes de notas a un sintetizador y este obedece y suena. Aquí entra otro elemento de confusión. Mucha gente cree que un midifile suena porque sí, que lleva los sonidos "dentro", dado que ellos "no tienen un sintetizador en casa, sólo el ordenador". Pues tampoco es verdad. Todos los ordenadores actuales llevan sintetizadores-samplers incorporados, ya sea en su tarjeta de sonido o virtuales (como el que implanta Microsoft en sus últimos sistemas operativos). Cuando reproduces un midifile, éste le indica al sintetizador de tu ordenador cómo debe sonar, al igual que en el ejemplo anterior con los sintes hardware. Por eso, si cambias de tarjeta de sonido, o usas otro sintetizador virtual diferente, los midifiles sonarán diferentes. [Arriba a la derecha, datos MIDI de notas presentados por el secuenciador Logic Audio).

WAV es un formato de audio digital

Si colocaras un microscopio sobre un WAV (figuradamente, claro), sólo verías cadenas de ceros y unos; el WAV es una fotografía digital del sonido real. El ordenador convierte los impulsos eléctricos de una señal sonora en datos que él pueda leer. Así pues, cualquier reproductor de WAVs hará sonar la misma imagen del sonido original. Aquí no hay ningún protocolo o lenguaje que le diga a ningún dispositivo cómo debe sonar; el WAV en sí mismo es el propio sonido capturado, no una cadena de mensajes que se envían a un sintetizador o sampler, como el MIDI. Avisamos ya aquí que todo lo que diremos sobre el WAV se aplica al MP3 (que es un simplemente un WAV comprimido) [A la izquierda, representación gráfica de un WAV en el editor de audio Wavelab]

Hemos sido tajantes: no se pueden convertir WAVs y midifiles entre ellos. Pero sí hay maneras de hacer algo muy parecido. Sigue leyendo...

Lo fácil: grabando un midifile en formato audio

Hemos dicho que un WAV es una captura digital del sonido real, y que el MIDI hace sonar un sintetizador o sampler mediante un protocolo de mensajes. Pues bien, para tener los sonidos que produce un midifile en formato WAV, la cosa es sencilla... sólo tenemos que grabar digitalmente esos sonidos.

Si tenemos un sintetizador o sampler externo que reproduce los midifiles, la cosa está bien clara: sólo hay que encaminar las salidas de audio del aparato a la entrada de línea de nuestro ordenador, y utilizar un grabador para registrar esa señal. Muchos programas pueden grabar audio; cualquier secuenciador MIDI-Audio lo hace, y editores como Wavelab o Sound Forge, Cool Edit o Goldwave también cumplirán la tarea. Solo hay que seleccionar en el programa la entrada de línea de la tarjeta de sonido, y grabarla.

Si sólo dispones del sintetizador-sampler de tu ordenador (ya sea virtual, por software, o incorporado a la tarjeta de sonido), sigue siendo fácil la solución.

· En el caso de la tarjeta de sonido, el sistema que utilizaremos dependerá de si ésta puede "autograbarse", es decir, si dispone de un circuito especial que reenvíe toda la señal que genera de nuevo hacia el ordenador. Muchas tarjetas hacen esto; por ejemplo, la famosa Sound Blaster Live! (en la foto) o la Audigy. Diremos como se hace con la Live!, y si tienes otra tarjeta, seguro que no te será difícil trasladar la técnica. Lo que debes hacer es abrir el mixer de Windows (el control de volúmenes), ir a las opciones y ponerlo en modo "grabación". Eso hará que veas los niveles de grabación de las distintas fuentes posibles, y cuál está seleccionada para ser grabada en ese momento. Pues bien; sólo debes escoger como fuente el sintetizador de la Live!, y usar (como en el caso anterior) un grabador para recoger la señal.

Si tu tarjeta no puede "autograbarse", tendrás que hacer una pequeña chapucilla: une la salida de audio de la tarjeta con su entrada de línea usando un cable de audio apropiado, y elige como fuente de grabación esa misma entrada de línea. Ten cuidado aquí con los volúmenes de salida y entrada; ya no estás en el dominio digital y puedes distorsionar la señal si te pasas.

· Para grabar la señal de un sintetizador o sampler virtual, el procedimiento es análogo: si la tarjeta dispone de un circuito que permita grabar internamente la señal de audio que ella misma produce, solo has de elegir la fuente adecuada para la grabación (suele ser la fuente "WAV" o "Directsound" en muchos casos). Si careces de esta posibilidad, tendrás que hacerte con el cable ya citado y realimentar a la tarjeta con su propio sonido.

Lo difícil: descomponiendo un WAV en mensajes MIDI

Esto es otro cantar. Grabar la salida de un sinte o sampler (hardware, software o de tu tarjeta de sonido) es un procedimiento obvio y sencillo. Pero si queremos obtener un midifile a partir de un WAV, las cosas se complican hasta el extremo...

La razón para esto es que un WAV reúne información muy compleja sobre frecuencias, volúmenes, resolución, etc, y toda ella aparece mezclada, especialmente si el WAV es de una canción normal, en la que puede haber percusión, bajo, voces, acompañamientos... El WAV no entiende de notas ni de escalas, sólo de frecuencias y de sonido puro. Ya sabemos que el MIDI consiste precisamente en mensajes que indican a un dispositivo cómo interpretar música, así que convertir un WAV en un midifile sería algo así como cocinar una tarta y luego pretender separar los huevos, la leche y la harina.

Así pues, estamos en un atolladero. Pero hay alguna esperanza. Al igual que existen programas de reconocimiento de caracteres (OCR) que intentan "leer" un gráfico de un texto y convertirlo en datos reconocibles para un procesador de textos, existen programas que identifican los tonos de un WAV y, a partir de ellos, generan un archivo MIDI. Por desgracia, esta técnica tiene mucho más éxito con las letras que con el sonido ya que, como habrás imaginado, un WAV es algo mucho más complejo que una foto de la página de un libro, donde sólo hay caracteres de color negro sobre un fondo blanco, nítidos y fáciles de identificar para un programa de reconocimiento mínimamente inteligente. Identificar todos los tonos de un WAV, sus volúmenes, y aún más allá, los tonos y volúmenes de todos los instrumentos por separado, es una tarea imposible. Además, ¿cómo un programa de ordenador podría diferenciar entre el timbre de un violín y el de una guitarra?

Sin embargo, algo se ha avanzado en los últimos años. Actualmente uno puede conseguir un MIDI más o menos aceptable a partir de un WAV monofónico no muy complicado. Por monófonico entendemos aquel sonido que sólo contiene un tono a la vez, por ejemplo la voz humana o una flauta (ninguna de las dos puede hacer sonar dos notas al mismo tiempo). Al haber sólo una línea melódica sin acordes ni notas superpuestas se hace más fácil identificar los tonos y crear mensajes MIDI a partir de ellos. Algunos programas presumen de identificar incluso acordes y líneas más complejas, pero su eficacia es bastante dudosa. Por ello te recomendamos que en vez de complicarte la vida con conversiones imposibles, busques directamente el midifile de la canción que desees; seguro que alguien en alguna parte ha secuenciado ese MIDI para que lo puedas bajar.